La colectividad feminista en el arte activismo

Este artículo plantea la relevancia e importancia de la visualidad y el arte en el activismo, a través de investigar la obra Calzones Parlantes de la artista ecuatoriana Andrea Zambrano Rojas. Presento a la artista y su proyecto, con un enfoque en el cruce entre metodologías feministas, activismo y el arte, proponiendo una definición del activismo basado en el poner el cuerpo planteado por la filósofa Marina Garcés. Cierro el artículo enfatizando de nuevo la relevancia del arte activismo por su capacidad de ayudarnos a levantar una voz colectiva y de hacernos reclamar nuestra humanidad en el capitaloceno.

PACHAQUEER, ARTE QUE TRANSFORMA

Se conoce, analiza y explica el puente de enlace existente entre los espacios urbanos, población en general y el colectivo disidente Pachaqueer fundado en mayo de 2013 en el Distrito Metropolitano de Quito (DMQ). Es fundamental señalar que, Pachaqueer ha construido un proyecto urbano que consiste en efectuar luchas anticapitalistas utilizando la antropología corporal y sensorial como recurso de emancipación para generar un arte provocador que cuestiona las dinámicas del poder y opresión que constituye las diferentes formas de institucionalidad inscriptas en el contexto capitalino, proponiendo recuperar la poiesis del cuerpo como mecanismo de resiliencia frente a las miradas binarias existentes en la realidad colonial quiteña, así como en los espacios políticamente conformados. y concebirlo como esencial u objeto material.

Negatividad, derrumbe y estropicio en la propuesta fotográfica queer de Lariza Hatrick

El itinerario fotográfico de Lariza Hatrick se encuentra poblado de identidades sexo-disidentes. Sin embargo, la artista argentina poco se preocupa por visibilizar, reivindicar y solicitar reconocimiento para aquellas identidades que retrata. Lejos de poner su producción artística a servicio de una política de identidad preocupada por alcanzar el reconocimiento de la heteronorma, Hatrick captura composiciones visuales que nos enfrentan con aquello que desborda todo borde identitario y sistema taxonómico clasificatorio. Sus imágenes figuran la presencia de lo abyecto y de la negatividad radical con la cual tropieza todo orden simbólico. Su estética pesimista se interesa por el derrumbe, el estropicio y el fracaso que envuelve a toda existencia. Allí detecta una oportunidad para interrumpir el orden político imperante y sus violencias. En esta oportunidad ofrecemos algunas fotografías de objetos dañados y desechados. Las resonancias inefables y perturbadoras que allí circulan son interpretadas a partir del pensamiento de Julia Kristeva.

Visualidad y daño. Notas sobre naturaleza y medioambiente en el arte argentino

En este artículo se parte de la articulación entre arte-medioambiente, específicamente de una serie de propuestas visuales argentinas. El fin es asociarlas según relaciones o motivos persistentes: el señalamiento del daño a la naturaleza por parte del ser humano. A partir de cinco casos, que, por supuesto no revisten exhaustividad, proponemos dar cuenta de diversas propuestas artístico-visuales que tematizaron problemáticas ambientales vinculadas al agua y al fuego. La selección está formada por una variedad de lenguajes estéticos: performances, arte-activismo, pintura, tapiz. Se desarrollan algunas referencias sobre el tema y se analiza el corpus y, por último, se establece una serie de conclusiones para pensar la lucha contra la precarización de la existencia desde el arte.

Registro Atmosférico

Esta exposición propone una serie de registros tridimensionales de lo irrepresentable del sistema, la bomba atómica, lo real. Trabajo sobre la guerra y los abismos como aquello que no podemos aprehender y que está siempre vigente. En este escenario, la máquina aparece como un objeto omnipresente, cuyo movimiento activa el espacio y el tiempo. La cerámica en occidente se ha concebido como un arte menor y femenino, ese es el lugar que escogí para ubicar la escultura en el margen. Cada fragmento se construye con una sucesión de movimientos donde aparece el vacío que se vuelve visible solo en la obstrucción. La forma y el material de la arcilla contrastan con la resina y sus connotaciones con el tiempo presente.

Bauhaus El reconocimiento de la Bauhaus: arte, diseño y técnica, 1919-1933

Este artículo se basa en una investigación histórico-cultural sobre la presencia de la escuela Bauhaus y su influencia en la Alemania de posguerra. El objetivo principal de este trabajo es analizar la dinámica social y pedagógica alimentada por la Bauhaus dentro del contexto político más amplio de aquella época y lugar. En la historia de Alemania, 1919 es significativo no sólo como el año en que se firmó el tratado de paz, sino también como un momento de cambio general en las formas de vida de la gente y en la comprensión de lo que sería la nueva nación. La escuela de la Bauhaus fue concebida para ofrecer opciones que reivindicaran lo que el proyecto militar había dejado tras la Gran Guerra. Como proyecto académico, no sólo pretendía ser un lugar de nuevas y dinámicas innovaciones técnicas, sino que también se concibió como un ejercicio de un nuevo enfoque político del pensamiento y la fabricación y de la responsabilidad del diseñador con el medio ambiente.

Fernando Falconí

El presente texto introduce el mas reciente trabajo del artista Fernando Falconí que se expuso desde el día jueves 12 de agosto hasta el día sábado 11 de septiembre de 2021 en el espacio N.A.S.A.(L) de Mauricio Aguirre en Guayaquil (Ecuador). A lo largo de su trayectoria artística Fernando Falconí ha explorado sutil, irónica y agudamente los relatos científicos sobre la evolución de las especies y el desarrollo de la vida. De manera particular ha hurgado en la dinámicas reproductivas, reformulando preguntas respecto a la contradictoria relación entre el ser humano y naturaleza. Todo esto lo ha hilvanado dentro de la manera crítica con la cual se aproxima a los discursos (e incoherencias) sobre la nación, su cultura y educación. En esta nueva serie de obras (2019-2021), el artista propone un nuevo reto de interpretación, alineado a su trabajo previo, que propicia una reflexión y un cuestionamiento histórico respecto a cómo se organiza y transmite el conocimiento a nivel social.

Buda y Coatlicue: dos formas equidistantes de manifestación

El presente escrito es un breve acercamiento a los encuentros fortuitos que se pueden hallar desde la comprensión de “lo ajeno”. Buda y Coatlicue son dos esculturas en piedra que “conversan” más allá de su forma, son los vestigios de dos culturas que desarrollaron una singular forma de ver el mundo y que, intencionalmente o no, manifiestan semejanzas desde el plano de la contradicción. Quizá resulte poco convencional comprender cómo es que dos esculturas establecen un diálogo, sin embargo, es a partir de esta propuesta que la distancia entre China y México resulta ser más corta de lo que aparenta. En suma, que estas reflexiones sirvan para situarlos como dignos representantes de dos formas no tan lejanas de existir.

Hipótesis sobre el (des)encuentro entre la investigación artística y la investigación científica.

Afortunadamente, la investigación artística se ha vuelto más aceptada por la academia en los últimos años y el potencial de una relación mutuamente beneficiosa entre Arte y Ciencia parece más prometedor que nunca. A pesar de ello, continúan existiendo tensiones y reticencias que obstaculizan excesivamente el desarrollo de proyectos interdisciplinares donde el Arte esté implicado. En este artículo intentaremos, en primer lugar, analizar comparativamente la investigación artística y la investigación científica a la luz de cuatro dominios clásicos de la Filosofía de la Ciencia: lenguaje, mereología, método y verdad; en segundo lugar, formularemos dos hipótesis sobre (1) las razones del desencuentro persistente entre Arte y Ciencia, asentado en la separación entre racionalismo y empirismo y (2) sobre la posibilidad de encuentro, basado en el uso especulativo de la razón, entre la investigación artística y científica; dos miradas metodológicamente distintas sobre el mismo concepto o problema metafísico.

Encajera in situ de Beatriz González: un ensayo sobre el lugar en el arte colombiano

Este artículo presenta una reflexión en torno a la obra Encajera in situ de la artista colombiana Beatriz González. Las relaciones que establece la obra entre la pintura de Vermeer, su correspondiente transformación en el estilo de González, el baúl de mimbre en el que encaja la imagen y el mundo cultural que porta el objeto tejido reflejan el interés de González en pensar y hacer arte desde el lugar. Más aun, la obra misma problematiza la noción de lugar de enunciación del arte, su carácter provincial, in situ y táctico en un mundo de influencias artísticas y culturales dominantes. Su posición invita entonces a revisar categorías y lugares de enunciación para pensar el arte de nuestra región.