voz de Galicia: Ana Kiro, recepción e identidad nacional

Cuando la obra artística de una figura se identifica con una identidad nacional determinada, esta se convierte habitualmente en objeto de disputa y da lugar a lecturas en conflicto. Es el caso de Ana Kiro, cantante que desde los años setenta se convirtió en una figura enormemente popular en Galicia al abordar la experiencia de la emigración, el paisaje local o la cultura tradicional en canciones pop con elementos folclóricos. Durante años, Kiro fue a menudo interpretada (y criticada) como un icono conservador, pero en la última década han aparecido numerosas voces que buscan su resignificación como referente feminista, lusista o LGTBI. Este texto analiza la recepción de Ana Kiro y su conexión con los debates alrededor de la identidad nacional gallega.

Israel Galván en La Fiesta: Su baile flamenco contemporáneo y transgresor de la teatralización

En el siguiente artículo nos proponemos profundizar en el estudio del baile flamenco de la teatralización actual, en sus movimientos, sus sonidos y sus espectáculos, tomando como modelo al artista Israel Galván y, en concreto, su obra La Fiesta. Todo ello contextualizado en la era de la globalización, teniendo en cuenta sus flujos culturales y su consecuente hibridación, transculturación y transgresión en el arte.

Rocka, gazteon (eta hain gazte ez direnen) protestarako tresna

Musika-genero baino gehiago bilakatu zen fenomeno sozialak zazpi hamarkada beteko ditu laster. Bere sorreratik rocka munduan zehar zabaldu zen protesta-mugimendu gisa. Bakarlari eta talde anitzek rocka osatzen duten estilo eta genero ezberdinak sortu dituzte, eta une bakoitzean gazteriaren askatasun grinak pertsonifikatu dituzte. Era horretan, azken hirurogeitahamar urteetan planetan zehar jazo diren ekonomia-, gizarte- edota politika- izaera duten gertaera nabarmenen aurrean, rocka salaketarako eta gizartearen nahigabea adierazteko bozgorailu bihurtu da, bereziki gazteen artean.

sonidos agrícolas del pasado vasco en el entorno urbano

En este artículo queremos exponer una práctica artística y experimental de arte participativo, realizada entre los años 2016 y 2018, en el que se presentaba un objeto tradicional llamado txalaparta en relación con un espacio. Dos puestas en escena, en dos sitios diferentes de un mismo objeto, uno de ellos en donde el instrumento es conocido, mientras que en el otro no. Dentro de esos espacios, la artista y espectador crean un vínculo en el que la visualización de una nueva adaptación sistemática de este objeto trasladado al soporte cerámico se conjuga en el entorno urbano, llamando así la atención de la gente y haciéndoles partícipes de un proceso de recepción estética, conformando círculos relacionales en el que la artista se posiciona en lugar del espectador y viceversa. Interpretamos aquellos sonidos del pasado vasco como una experiencia musical urbana, que se convierte en fundamental y a la vez dinámica, en la que la perspectiva y actitud social de la gente cambia por las diferencias culturales.

Apuntes sobre un espacio sonoro: Sun & Sea (Marina)

Este texto analiza la pieza Sun & Sea (Marina), que fue premiada con el León de Oro a la mejor participación nacional en la 58a Bienal de Arte de Venecia (2019). Aunque ha sido destacado el mensaje ecológico de la pieza, entendemos que la misma detona otra serie de reflexiones y se conecta con diversos aspectos del pensamiento contemporáneo que merecen ser explorados y revisados en profundidad. Así, observamos sus asociaciones con la actividad creativa previamente desarrollada por sus autoras, el modo en que se entrelaza con piezas de otros artistas lituanos y su vinculación con los desarrollos conceptuales que arrojan una mirada crítica sobre nuestra sociedad y los valores sobre los que se asienta. Asimismo, observamos detenidamente las consecuencias del empleo del formato de ópera-performance y las posibilidades que despliega para propiciar la proyección desde la propia experiencia de espectadores y espectadoras, haciendo uso de la acción en directo guionizada y los diálogos cantados, trazados desde la ironía y el humor como soporte de posicionamientos críticos.

canallita machirulo: Una aproximación a las masculinidades del rock español

En un tiempo en el que es común despotricar contra el reggaetón y el trap por su supuesto carácter machista, es de imperiosa necesidad reflexionar sobre los tipos de masculinidades que otros estilos como el rock han venido construyendo desde muchos años antes. Este artículo representa un primer acercamiento a dicho empeño. Partiendo de conceptos como la hipermasculinidad, la masculinidad hegemónica, la camaradería masculina y otros, este ensayo realiza una lectura de la producción cultural de bandas como Coz, Lujuria o Los Zigarros, para detallar el tipo de masculinidades que en ellas se proyectan. Para ello, el artículo se basa en un arquetipo que denomina como ‘el canallita machirulo’.

error como oportunidad: Un siglo de registro y evolución de la música popular

El surgimiento y el desarrollo del registro de sonido ha incidido de manera evidente en la propia forma de la música popular; desde los campos rurales de principios del siglo XX, hasta las ciudades industriales de los años 70 y las habitaciones de nuestras casas en la actualidad. Grabaciones de campo con una relación directa con el espacio y poco control sobre él; grabaciones de estudio donde se prescinde de micrófonos; grabaciones caseras donde se prescinde de estudio. Evolución en la cual se ha desarrollado asimismo una relación distinta respecto al concepto de la propia música y sus aspectos en cuanto a fidelidad, energía y error.

Dabilen herria: Musika mugimenduan

Testuak herri musikan ohikoa izan den musikarien mugimendua aztertzen du, soinuaren espazializazioa eta soinu iturri mugikorren erabileran zentratuz. Dantza eta musikarien arteko harremana ere kontutan hartzen da, ibiltzea eta soinua sortzearekin batera . Iturengo joaleak, txistulariak, trikitilariak, albokariak, txorroskileroak, txarangak, danborradak, prozesioak aipatzen dira. Ondoren, musika kultuarekiko konparaketa egiten du testuak, non musikarien kokapen eta parte hartzeak estatikotasunera jo izan duen. Haren adar berrienean ere, musika garaikidean, ez da soinu-sortzaileak mugimenduan jartzen dituen lan asko topatzen, kasu bakan batzuetan izan ezik. Charles Ives, K. Stockhausen, P. Oliveros, Llorenc Barber, Fredrik Rasten, eta beste zenbait egileren lanak ikertzen dira espazializazio eta mugimendu kontzeptuetan nolako garapenak izan diren ikusteko.

Corporeizar la sonoridad a través de la danza: Los ecos rítmicos de Stravinsky en el ballet iTMOi de Akram Khan

El despertar sonoro del cuerpo, en su rítmica existencia, remite a una esencia ritual como la aspiración más pura de lo que la danza irradia en la humanidad. Música, danza y poesía ¿no fueron en un tiempo mousiké? ¿no fueron las mismas, junto con la plástica, las que aparecen mimetizadas en una idealización del modelo escénico teatral? Entonces, ¿por qué limitar las confluencias interartísticas en la expresión del pathos discursivo del ser humano? Los ecos sonoros de Stravinsky, son el pretexto que justifica hacer del sonido que se halla en la danza, los ecos rítmicos de un narrar no exclusivo de una sola gramática. Los textos se suceden alrededor de un aura mítico-ritual en la que la abstracción de los espacios latentes rescata la voz de un otro, que puede ser un yo o un nosotros. La espiritualidad rítmica se emite como discurso semántico por el que hacer del cuerpo sonido, de la voz escucha, del ruido melodía y de la armonía cuerpo. iTMOi de Khan, será así la evolución de esta lectura plural del cuerpo sonoro.

Reflexiones sobre el género musical en el largometraje vasco de animación

Desde que The Walt Disney decide llevar a cabo su primer largometraje de animación tiene muy clara la importancia de la música en sus producciones. El hecho de que otras compañías imiten esas características lleva a considerar el género cinematográfico del «musical animado» como una entidad propia. En el presente artículo presentamos el concepto del musical de animación y luego realizamos una introducción a ejemplos de largometrajes producidos en el Estado español. Después, y basándonos en las teorías de Alba Montoya Rubio (2017), presentamos un análisis global del uso de la música en los largometrajes vascos. Luego realizamos un estudio de las películas Karramarro Uhartea (Josean Muñoz & Txabi Basterretxea, 2000), La Leyenda del Unicornio (Maite Ruiz de Austri, 2001) y Barriola, San Adriango Azeria (Juanba Berasategi, 2008). Finalmente exponemos conclusiones relativas a la presencia del género musical en el largometraje de animación vasco.