“You'll Never Get It If You Don't Slow Down, My Friend”: Towards a Rhythmanalysis of the Everyday in the Cinema of Jim Jarmusch and Gus Van Sant

This essay offers close readings of films by the independent US directors Jim Jarmusch and Gus Van Sant with a particular focus on their slow-paced representation of everyday life. Building on the work of Henri Lefebvre, the author proposes that so-called “slow cinema” can be read not simply as an aesthetic choice, but as an alternative and potentially oppositional rhythm in the era of fast capitalism.

Die lange Einstellung

Diese Arbeit analysiert eine eigentümliche Beziehung der langen Einstellung zur Mystik. Anhand von Werkanalysen, die sich vor allem den Regisseuren Andrej Tarkowskij, Theo Angelopoulos, Alexander Sokurow, Béla Tarr, Gus Van Sant, Gaspar Noé und Carlos Reygadas widmen, wird die selten – und meist bloß vor dem Hintergrund der Filme Tarkowskijs – behauptete Nähe der langen Einstellung zur Mystik als inhärenter Wesenszug des Stilmittels aufgefasst, welches gerade im 21. Jahrhundert eine enorme Popularität sowie extreme Ausformungen erreicht hat.

Estratégias de fragmentação no cinema contemporâneo: Short Cuts: Cenas da Vida, de Robert Altman, e Elefante, de Gus Van Sant

O cinema contemporâneo tem exibido, com considerável frequência, obras cuja estrutura narrativa se revela quebrada, descontínua e dispersa. Observa-se, nesse tipo de cinema, a subtração ou a desativação do fluxo narrativo, da linearidade narrativa, o que vem a promover novas formas de experiência fílmica. Nesse sentido, apresentamos uma breve análise de duas produções norte-americanas – Short Cuts: cenas da vida (Robert Altman, 1993) e Elefante (Gus Van Sant, 2003) – a fim de apontar, na escritura desses filmes, exemplos de estratégias de fragmentação e os diferentes sentidos que tal iniciativa possibilita construir.

Emerger. La imagen traumática en Gus Van Sant

El cine de Gus Van Sant rebosa de personajes que se han enfrentado a un evento traumático. Es difícil ignorar la recurrencia del trauma en la obra del cineasta, desde las primeras películas hasta las últimas. En este trabajo examinaremos algunas modalidades del tratamiento narrativo de este tópico a través del caso ejemplar de Paranoid Park, con el objetivo de evidenciar el hecho de que Gus Van Sant no se interesa tanto, desde el punto de vista del personaje, en el trauma en sí o en sus consecuencias dolorosas, sino más bien en una posible superación del acontecimiento por medio de su elaboración. Esto permitirá extraer lo que este tópico revela del trabajo del cineasta, de su enfoque de la imagen y del poder que esta ejerce sobre el espectador, es decir, de su concepción misma de la función del cine

GUS VAN SANT E A IMAGEM-NÉVOA

As nuvens constituem um motif poético do cineasta norte-americano Gus Van Sant. Elas instauram um cinema profundamente (climatérique) climatérico (BOUQUET; LALANNE, 2009, p.38), no qual o tempo se sobrepõe ao espaço via imagens que equivalem a uma transubstanciação do real. As digressões – que dizem respeito não somente a nuvens que cortam o céu, matéria leve, mas a outros fenômenos visíveis aos nossos olhos, como o sol ao cair no entardecer, variações da luz sobre uma estrada, a noite que cai – compõem um esforço imagético em capturar intersecções do tempo, ato levado a efeito (ou tencionado) tecnicamente a partir do uso de recursos como slowmotion, time-lapse e planos-sequências dilatados.

Adaptando a Shakespeare para esencializar la conversión hippie-yuppie.

En 1991, My Own Private Idaho (Mi mundo privado) de Gus Van Sant, representó tal vez la que fuera una de las expresiones cinematográficas más acabadas de un determinado tipo juvenil -apático y desencantado- que venía prefigurándose a lo largo de la década anterior. Esta película establece un preciso y sofisticado diálogo interfílmico en cada una de sus escenas con Easy Rider (Busco mi destino), otro filme emblemático, pero éste, de la década de los sesenta. En el balance que Gus Van Sant procesa del fracaso de la rebeldía sesentista desde una óptica posmoderna, hay un momento culminante cuándo Scott —através de un monólogo inspirado en Enrique IV de Shakespeare—, expresa su mutación en yuppie ante el desconcierto de Bob “el pordiosero”. La adaptación de los personajes shakesperianos (Scott como el Príncipe Hal y Bob como Falstaff) y su traslación a un contexto histórico contemporáneo (Scott se refiere a Bob como «maestro psicodélico» en una referencia explícita a los años sesenta) estaría expresando la clara intención del director de universalizar y esencializar ese fracaso: la rebeldía sesentista fracasa en su intento de transformación radical del mundo porque la conversión hippie-yuppie estaría ya preestablecida e inscrita de antemano en la naturaleza de un joven que, inexorablemente, más tarde o más temprano, devendrá en adulto. En este trabajo, nos proponemos analizar en detalle este diálogo interfílmico sobre bases shakesperianas, reflexionando, a su vez, sobre la validez o no de este proceso de (des)historización que el director propone.

Ta szkoła symbolicznie rozstrzelała się sama… Filmy Słoń, Carrie, Nad krawędzią w dyskusji o problemach współczesnej szkoły i młodzieży podczas zajęć z pedagogiki na specjalnościach nauczycielskich

In the paper, apart from interpreting the message of films: Carrie (directed by Brian De Palma), Over the Edge (directed by Jonathan Kaplan) and Elephant (directed by Gus Van Sant), I also describe how classes can be arranged around them. Thus, I join the debate on the space for such productions in education, especially in the methodology for training teachers-to-be. I indicate possible applications of feature films and a wide spectrum of benefits that follow from this approach. In fact, movies are still an undervalued but very effective didactic tool that engages pupils in authentic intellectual tasks that deal with important content and issues.