Experiencias sensitivas entre _Object/Subject_ de John Hejduk, una performance de Connie Beckley y un poema de David Shapiro

La investigación analiza una performance de Connie Beckley que tuvo lugar en el Great Hall de la Universidad de las Artes de Filadelfia frente a la pieza Object/Subject. El acto se llevó a cabo en la inauguración de la exposición titulada «John Hejduk: The Riga Project», celebrada entre el 20 de noviembre y el 22 de diciembre de 1987. En la investigación se analiza la performance, un poema de David Shapiro y la pieza de John Hejduk. El trabajo estudia la relación de los hechos desgranando un análisis al poema como medio para investigar el conjunto de la expresión artística y los vínculos no aparentes entre objetos y personas, y la fuerza del texto escrito cuando es declamado mediante una pantalla de televisión. La investigación trata de examinar cuestiones concretas acontecidas en una experiencia artística.

BastardScene. Seminario Permanente sobre Performance Expandido, Edición y Lenguaje

En un contexto internacional de efervescencia en las artes vivas, en el año 2015 iniciamos BastardScene, un Seminario Permanente sobre Performance Expandido, Edición y Lenguaje. Generado desde el grupo de investigación interuniversitario SOBRE_Lab en colaboración con el Centro José Guerrero1, se estableció un observatorio cultural en la ciudad de Granada desde donde poder analizar diferentes modelos de producción cultural que se desarrollan en el performance contemporáneo: una compleja diversidad de prácticas artísticas en vivo, articuladas como puentes que conectan, contaminan y llegan a disolver las fronteras disciplinarias entre los campos de las artes escénicas y las artes visuales. En este marco se desarrolló una serie de experiencias, talleres y laboratorios creativos con estudiantes universitarios, egresados y artistas de la ciudad con los que explorar el difuso territorio del performance, otorgando una especial atención al estudio de artistas y proyectos cuya práctica estuviera estrechamente relacionada con la investigación editorial. Con el objetivo de dar una continuidad temporal al seminario, se decidió estructurar los encuentros, talleres, conferencias o presentaciones públicas en formato acto, generando una narrativa transversal de contenidos en la suma de los actos. Tras seis ediciones entre 2015 y 2019, las experiencias y resultados del seminario han sido recopiladas en la publicación Performance. Actuación extraña en la que aplaudes sin entender. Los textos que se reúnen en este estudio son extractos de dicha publicación.

El _ensayo editorial_ en arquitectura: efectos de enmarcado, montaje imaginativo y crítica editorial

Se discuten las técnicas editoriales de un conjunto heterogéneo de ediciones experimentales de arquitectura del siglo XX, hoy consideradas trabajos seminales. Siguiendo la metodología de los estudios culturales, las leeremos en polémica con las técnicas de diseño que cristalizan con el impulso de la economía cultural en la sociedad de masas. Veremos cómo en ellas el uso del montaje imaginativo confronta la fragmentación y los efectos de enmarcado comúnmente adoptados en la presentación de la arquitectura como tecnología edilicia. Considerar estas relaciones nos permitirá identificar las claves que definirían un posible género crítico a investigar, el ensayo editorial. Si la fragmentación y el enmarcado pueden ser vinculados a diferentes mecanismos de externalización de lo crítico, la conectividad y los desvíos incentivados por el montaje imaginativo —también una técnica cognitiva y persuasiva— aproximan el ensayo editorial a las operaciones de rescate de lo olvidado y de lo excluido propias de la crítica cultural.

La performance anda suelta. Caminantes urbanos en España y Latinoamerica en el cambio de milenio

Con la aparición de la performance, al tiempo que la ciudad moderna pasa a ser escenario para una unión entre el arte y la vida, la práctica del caminar se convierte en actividad artística en sí misma. El presente artículo analiza el trabajo de destacados performers caminantes en el entorno urbano español y latinoamericano entre la década de los 90 del siglo XX y la actualidad, y plantea una reflexión sobre el caminar como acto creador inmaterial en el espacio masificado metropolitano. Entre lo íntimo y lo contestatario, los artistas desarrollan una serie de estrategias que nos permite comprender hasta qué punto los ritmos dictados por las estructuras de poder condicionan nuestro modo de habitar la urbe. Todos ellos se liberan de las normas impuestas para recorrer caminos propios nunca antes trazados.

Klaus, diálogo entre arquitectura y cómic. Una herramienta creativa como método docente

El lenguaje del cómic está cada vez más presente en la arquitectura, como podemos apreciar en las viñetas ilustrativas o diagramas presentes en proyectos de destacados arquitectos como Bjarke Ingels (BIG), MVRDV o Neutelings & Riedijk, entre otros. Al mismo tiempo, la arquitectura está representada en los cómics por dibujantes como Chris Ware o Richard McGuire. Así, las dos artes cuentan con su propia narrativa y se conciben de forma muy parecida. Koldo Lus Arana, bajo el seudónimo de Klaus, es otro arquitecto y docente universitario que, desde 2005, comparte su actividad profesional y académica con la de dibujante de cómic. A través de una entrevista inédita realizada por las autoras, se presenta su narrativa gráfica y caricaturesca, en la que se analizan las interacciones entre cómic, ficción y arquitectura; sin olvidar a los autores de referencia que han utilizado la viñeta como un medio gráfico para interpretar temas arquitectónicos desde la crítica y desde la filosofía creativa.

Cuerpo y literatura. Prácticas anacrónicas en «Time has fallen asleep in the afternoon sunshine» de Mette Edvardsen

En este texto se proponen una serie de reflexiones acerca del proyecto «Time has fallen asleep in the afternoon sunshine» (en desarrollo desde 2010) de la artista noruega de artes vivas Mette Edvardsen. El proyecto se articula en torno al aprendizaje de memoria de libros y, en estos años, se ha desplegado en una biblioteca de más de ochenta libros vivos en 12 lenguas, en una casa editorial, en exposición y en varios otros formatos. El análisis se organiza en torno a dos ejes principales: por un lado, en los estragos, transformaciones y desplazamientos que un trabajo basado en el cuerpo produce en las nociones habituales con las que concebimos la literatura, así como en las prácticas de archivo y conservación de textos; por otro lado, en la recuperación de prácticas que se pueden considerar anacrónicas (aprendizaje de memoria de un texto y reescritura literal, entre otras) y que ofrecen valores alternativos a la originalidad, la creatividad y la innovación, a las lógicas de rentabilidad y eficacia y a las economías temporales contemporáneas.

Performance y activismo. Contrapublicidad como estrategia por la justicia climática

Fossil Free Culture NL (FFC-NL) es un colectivo de artistas y activistas radicado en los Países Bajos, cuyo principal objetivo es romper los patrocinios y vínculos entre las corporaciones de combustibles fósiles y las instituciones culturales. A través de sus propuestas artísticas, FFC-NL evidencia la disonancia cognitiva entre la misión de una institución cultural que promueve y preserva la cultura, y la aceptación de fondos de una corporación que es responsable de la destrucción de culturas y los sistemas naturales que sostienen la biodiversidad en este planeta, incluida la vida humana. Sin estos sistemas la cultura no sería posible. Con sus acciones performáticas y estrategias de contrapublicidad, su trabajo ha conseguido importantes logros, como que el Museo Van Gogh (2018) y el Concertgebouw (2020) rompieran los lazos con Royal Dutch Shell, logrando una plaza de los Museos (Museumplein) de Ámsterdam, corazón cultural de los Países Bajos, libre de combustibles fósiles.

Hacia una redefinición de la performance a partir de su documentación. Una sospecha sobre su ingreso en el museo

Desde su surgimiento a finales de los 50, la performance se ha definido como una acción efímera que transcurre en copresencia física del artista y el espectador en un lugar y tiempo determinados. De esta definición ontológica de la performance se ha derivado con frecuencia la imposibilidad de su documentación, con el argumento de que esta resultaría infiel a su propia razón de ser. Pero lo cierto es que este paradigma se ha visto desmentido en la práctica en dos sentidos: de un lado, por la propia historia de la performance, que no obedece a una constante desaparición, y, de otro, por el trato que recibe la performance en los museos de arte contemporáneo. Tomando conciencia de esta situación y recogiendo el debate generado por la permanencia de la performance, esta investigación propone una nueva comprensión de la performance que tenga en cuenta la relevancia de su materialización.

Performance y fotografía: una aproximación a los primeros itinerarios en España

Entendemos el suceder y el efímero tiempo compartido como elementos indisolubles de la performance, vindicando la presencia como uno de los pilares esenciales de esta práctica. Estas afirmaciones -que podrían resultar limitadoras- no desestiman la importancia de otros soportes como la fotografía o el video que, en ocasiones, interactúan con la performance a una estrecha distancia. Sensibles a estas aproximaciones, prestaremos especial atención a la colaboración que se establece entre performance y fotografía repasando conceptos como presencialidad, subjetividad, veracidad, documento o performatividad. Dada la amplitud del tema, hemos establecido una acotación temporal centrada en el contexto español de las fecundas décadas de 1960 y 1970. Estos años trajeron consigo la aparición de una simbiosis internacional entre el medio fotográfico y la performance; un despertar que impulsó significativos cambios de valor de la fotografía y -en el caso español- la conservación de una performance escasamente investigada.