La cianotipia como recurso en el arte contemporáneo: una luz azul que no se apaga

El proceso fotoquímico conocido como cianotipia es uno de los medios de obtención de imágenes fotográficas más sencillos y a la vez más sugerentes que existen. Tras ser descubierta en la primera mitad del siglo XIX y ser utilizada ampliamente en el siglo XX para realizar copias de planos arquitectónicos ahora, en el siglo XXI y tras la popularización masiva de la imagen digital, parecía condenada a desaparecer. Sin embargo, las nuevas tecnologías han abierto nuevos caminos, por ejemplo, posibilitado creaciones híbridas (mediante la elaboración de negativos digitales para la obtención de cianotipos) o favoreciendo la difusión tanto de estas creaciones como de manuales técnicos a través de la red. Actualmente la cianotipia es un recurso utilizado en distintos ámbitos; junto a las aplicaciones pedagógicas o terapéuticas podemos encontrar unos significativos resultados artísticos en distintas partes del mundo, España entre ellas. Todas estas cuestiones son abordadas en el presente artículo

Efectos del Arte Público en la Ciudad Contemporánea

El presente trabajo es el resultado de una revisión teórica que tiene como objetivo describir de forma general los diversos efectos que provoca el arte público sobre la percepción de la población en la ciudad contemporánea, realizando un acercamiento a sus antecedentes, definición, conceptos y categorías, así como el papel que juega dentro del desarrollo urbano cultural. Al respecto, el texto se desarrolla en tres apartados. En primer lugar, se comienza por una revisión histórica general de los antecedentes del arte público, desde la escultura monumental hasta el arte contemporáneo. En segundo lugar, continuando con un acercamiento a la conceptualización del término arte público, que sirva como definición operativa para su mejor entendiendo. De manera posterior, se realiza una categorización de las obras de arte público que se pueden observar dentro de las ciudades contemporáneas. Por último, como conclusión, se elaboró la propuesta de un modelo ideal de aplicación, donde se describen los efectos que tiene el arte público como una herramienta de regeneración espacial y competitividad global, formando parte de lo que actualmente se puede llamar desarrollo urbano cultural.

REPRESENTACIONES SOCIALES DEL ARTE CONTEMPORÁNEO EN LA ILUSTRACIÓN DEL PRIMER LIBRO DE TEXTO GRATUITO (LTG) DE LA SECRETARÍA DE EDUCACIÓN PÚBLICA EN MÉXICO

Este trabajo surge como consecuencia de una ponencia presentada en el IX Congreso Internacional de Investigación Social 2020, organizado por el Instituto de Ciencias Sociales y Humanidades de la Universidad Autónoma del Estado de Hidalgo y analiza la portada del primer libro de texto gratuito de nivel primaria en México, —denominado Mi libro de primer año, editado por la Secretaría de Educación Pública—, mediante la teoría de las representaciones sociales. El presente texto busca ilustrar al lector mediante un acercamiento a la Teoría de las Representaciones Sociales, a través de imágenes que pueden ser analizadas desde otras miradas, mediante conocimientos previos que la propia ilustración nos presenta. La obra revisada pertenece al artista David Alfaro Siqueiros y fue creada en 1960 con la intención de dar una imagen a la gratuidad de la enseñanza y a los símbolos patrios que constituyen la nación mexicana.

Aprendiendo masculinidades a través de métodos visuales en investigación. Enlazando la dimensión académica, social y política en la subjetividad

El artículo presenta una manera alternativa de trabajar temáticas de género y sexualidad en el contexto universitario, favoreciendo acciones propias de un aprender reflexivo y crítico desde una dimensión social y cultural; básicamente, muestra una manera de trabajar cuestionando la experiencia desde dos líneas de pensamiento: una primera en la que se aborda el campo de estudios sobre masculinidades y los diálogos emergentes dentro del grupo de estudiantes; y una segunda en la que se reflexiona sobre el devenir del aprender juntas más allá de la asignatura, de su tiempo y el espacio del aula. El texto pone de manifiesto un modo innovador de explorar dilemas en torno a la construcción de los géneros desde una perspectiva crítica dentro de la asignatura Masculinidad, género y arte contemporáneo (Máster Oficial de Artes Visuales y Educación, un enfoque construccionista). Para ello se han desarrollado estrategias propias de metodologías visuales y narrativas autoetnográficas, teniendo como referente modos pedagógicos de direccionalidad (Ellsworth, 2015) que favorecen encuentros con lo real dentro de una pedagogía del evento (Atkinson, 2009). Mientras que, por un lado, las relaciones pedagógicas emergentes dieron pie a subjetividades discentes que se movían por lugares de colaboración entre estudiantes que aprenden investigando, por otro lado, el docente transitaba por posiciones de mediador e indagador atento al devenir de la experiencia donde las metodologías de investigación se fusionaban con las metodologías docentes.

Prácticas artísticas colaborativas como propuesta metodológica para la educación artística. Estudio de caso del proyecto Libertad

Este artículo recoge la experiencia educativa y artística que se llevó a cabo en un proyecto audiovisual colaborativo: Libertad, por una comunidad de aprendizaje formada por docentes y alumnado de 1º y 2ª de Bachillerato, artistas, mediadoras y educadoras que realizaron una película en cine analógico de 16 mm a partir del relato de vida de Josefa Castro (1920-2015). El proyecto se llevó a cabo en un museo de arte contemporáneo, el MUSAC de León, en el curso escolar 2017-2018 a través del LAAV_ Laboratorio de Antropología Audiovisual Experimental. El artículo, desde una perspectiva A/r/tográfica, expone el proyecto Libertad a partir de las herramientas de recogida/producción de datos que se utilizaron y que se ordenan por la tipología de medios que nos ofrece, resultando en una compilación de videos, audios, imágenes interactivas y textos/documentos que actúan como principal soporte de comunicación en el artículo. Finalmente también hace referencia al componente humano del proyecto, que en este caso se identifica con la comunidad de aprendizaje que se constituye en y para el proyecto. Las conclusiones del artículo apuntan la necesidad de documentar suficientemente estas prácticas para dejarlas abiertas a nuevas investigaciones por ser susceptibles de transferencia a otros contextos teóricos y prácticos.

Flower Power: compartiendo con el profesorado sobre feminismos, experiencias queer y educación artística

Este artículo quiere compartir una serie experiencias que nacen de la realización de dos seminarios de formación permanente del profesorado titulados Flower Power, entorno al legado feminista multidimensional, las experiencias queer y la educación artística, en el contexto de un centro de arte contemporáneo. Basándose en el lema fundacional de lo personal es político, y las corrientes de investigación narrativa y auto-etnográfica, aquí se presentan - ocasionalmente en primera persona-, los tres bloques principales de dichos seminarios. Primero, el auto-cuidado del profesorado como herramienta política en educación; segundo, el derecho al baile y el disfrute, dentro y fuera de las aulas; y tercero, las posibilidades sensibles de los cuerpos, tanto del profesorado como del alumnado. El artículo finaliza remarcando el importante potencial de innovación, bienestar y transformación personal y política que la educación en las artes puede facilitar desde una perspectiva feminista y queer multidimensional. En definitiva, una perspectiva que va construyéndose e informando la práctica docente más allá de temarios y contenidos específicos, basándose y generando experiencias igualmente multidimensionales en escuelas, institutos y universidades.

Arte, diseño, medios: Memoriales de América Latina

En ocasión del Tercer Simposio DAT propongo un recorrido analítico por una serie de muestras que tuvieron lugar en América Latina que remiten a una memoria sobre las maneras de diseñar, representar y poner en obra problemáticas que hacen a lecturas críticas de nuestro continente. Son los diversos procesos artísticos que desde lo expositivo piensan significativamente y proponen relatos sobre nuestra región y sobre las mismas artes visuales tecnológicas. Un panorama analítico que comprende el cine experimental, la televisión, el video arte, el multimedia, el bioarte como parte de un conjunto que interpela y relaciona críticamente el arte contemporáneo con el diseño y arte mediático. Estos movimientos híbridos implican contaminaciones que trascienden las fronteras de los medios y que podemos considerar bajo el concepto de “extremidades discursivas” como lo define Christine Melo. Un recorrido por las obras de Albertina Carri y Andrés Denegri (Argentina), Gilbertto Prado (Brasil), José Alejandro Restrepo (Colombia), Gerardo Suter (México) e Irina Raffo (Uruguay) cuyos procesos he seguido de cerca ofrecen un muestrario significativo de lecturas del continente, las cuales dialogan con el contexto urbano en las cuales se desplegaron: Buenos Aires, México, Montevideo, Salta. Exposiciones que proponen una lectura de memorias personales, de relatos particulares por la historia reciente del continente y que referencian los medios aplicados en sendas muestras donde prima la práctica de la instalación la cual se despliega bajo diferentes soportes y dispositivos tecnológicos.

Contemporaneidad, imagen violenta y estetización en Centroamérica

El artículo explica la configuración histórica del arte contemporáneo en Centroamérica a partir de los cambios y transformaciones institucionales emanadas en la última década del siglo XX. Señala las diferencias de la producción de la generación de los noventa con relación a las prácticas artísticas gestionadas durante la década de los ochenta y, posteriormente, se señala el desplazamiento de la tradición eminentemente pictórica a campos más próximos a la creación participativa en medio urbano.Se reflexiona sobre la influencia de la violencia en la conformación de los imaginarios simbólicos y se alerta sobre el peligro de la excesiva proliferación de la imagen violenta en las representaciones artísticas, ante todo, si su abordaje se realiza como parte de una agenda que contribuye al espectáculo y a la excitación de la percepción mediante la representación directa de la violencia que despolitiza la imagen y fomenta muy poco la comprensión crítica del mundo.

Desaparición, archivo y posverdad: Ayotzinapa en Rafael Lozano-Hemmer

El presente artículo plantea una revisión de un modo de representación de la desaparición forzada de los 43 estudiantes de la Escuela Normal Rural “Raúl Isidro Burgos” de Ayotzinapa desde el arte contemporáneo a través de la pieza Nivel de confianza (2015) de Rafael Lozano-Hemmer. Las nociones de “archivo”, “posverdad” y “capitalismo gore” se vuelven un elemento imprescindible para el análisis de la pieza y la comprensión del acto de desaparición.

¡Muérdeme! El uso de la comida en las prácticas artísticas contemporáneas

El presente artículo estudia los vínculos entre la comida y el arte contemporáneo, descubriendo las iconografías y temáticas más recurrentes que tocan diferentes problemáticas de diversos ámbitos, como la antropología, la ecología, el feminismo, la sociología, el activismo, el postcolonialismo y el psicoanálisis. Se presentan posibles lecturas de obras de los siglos XX y XXI que se sirven de la comida como tema o materia creativa. Se trata de un análisis interdisciplinar de las diferentes representaciones del alimento. El objetivo es demostrar la importancia y vigencia de los debates que abren este tipo de obras e incentivar la necesidad del desarrollo del tema.