La arquitectura de las misiones de Alta California. Una herramienta al servicio del control productivo y espiritual

Las veintiuna misiones de Alta California constituyeron el primer ensayo de convivencia entre españoles e indígenas en este territorio. Su presencia contribuyó a la aparición de un nuevo orden arquitectónico y desencadenó un importante cambio social. El objetivo de este trabajo es analizar los elementos más significativos que caracterizan a esta arquitectura y que, en mayor medida, inciden en su valor como herramienta de evangelización y control de la población indígena. Apoyada en numerosa bibliografía y fuentes documentales, la metodología se ha centrado en el análisis de planos, pinturas y fotografías de distintas épocas, unido al trabajo de campo desarrollado en algunas misiones. Entre los resultados, destacamos la idea de que la actividad religiosa y productiva determinó el diseño de las misiones, priorizando, por un lado, el bienestar de los religiosos sobre el de los nativos y, por el otro, el uso de espacios interiores frente a los exteriores. La secularización de 1833 paralizó su actividad y las sumió en un deterioro que se alargó hasta el inicio de las restauraciones en el siglo XX. En la actualidad, se han convertido en iconos turístico-culturales frecuentados por turistas y estudiantes que interpretan la historia temprana del estado definida por la colonización.

Cartografía visual: creación de narrativas visuales colaborativas a partir de conexiones acerca del barrio Nou Llevant-Soledat Sud de Palma

Este estudio busca concienciar al profesorado, que desarrolla su labor docente en un contexto social y cultural desfavorecido, sobre las posibilidades que ofrece la construcción de un mapa visual de su entorno. A fin de establecer conexiones de una manera expresiva y colaborativa, se llevó a cabo un taller en una escuela de primaria con alumnado de quinto curso perteneciente al barrio Nou Llevant-Soledat Sud de Palma (Islas Baleares, España). A través del mapeo narrativo como técnica analítica, los y las escolares construyeron un nuevo lenguaje, una red (su red) analógica de información. La creación de mapas ha reforzado el mensaje de intersección y fomentado nuevos comportamientos. La aproximación de diferentes universos a través de dibujos llevados a cabo por el alumnado nos ha permitido la creación de narrativas y consecuentes mapas mentales. Los resultados informan sobre la importancia que tiene la representación cartografía como herramienta de aprendizaje y sensibilización educativa. Asimismo, permite un proceso creativo en un intento de aliviar la carga cognitiva de la realidad del barrio y hace de la información resultante un "filtrado" más amable.

“Works” Juan Manuel Echavarría

Reseña del libro Works, obra artística de Juan Manuel Echavarría. Publicado por Toluca Editions, 2018.

La Memoria. Investigación Basada en las Artes para la formación del profesorado

En esta investigación presentamos el proceso y los resultados de una experiencia artística desarrollada con alumnado universitario del Grado de Maestro/a en Educación Primaria de la Universitat de València. El tema es “La Memoria”, título genérico que también identifica la exposición que tuvo lugar en el Museo de Historia de Valencia, compuesta por 21 instalaciones artísticas realizadas por el propio alumnado. Planteada como un estudio de caso, a nivel metodológico se incorporan elementos de las narrativas docentes, a partir de procesos muy impregnados por la Investigación Basada en las Artes. La buena acogida que tuvo la exposición en el museo, así como la motivación extra que supuso para el centenar de alumnos y alumnas participantes, nos animan a ofrecer esta modalidad de taller participativo con creaciones originales, para definir un modelo de prácticas docentes en educación artística que apuesta por los temas imbuidos de problemáticas candentes, incorporando cuestiones que afectan a reivindicaciones de tipo social, político y cultural. Se trata de investigar desde la propia práctica docente en el aula, implicando al alumnado universitario en un modelo participativo de investigación artística.

La imagen como materia y material. Arquitecturas avanzadas y experimentación audiovisual desde la mirada inclusiva de Herbert Bayer.

Desde mediados del siglo XX se observa una proliferación de singulares prácticas arquitectónicas basadas en la incorporación de sistemas de información mediática como ingrediente fundamental. En este contexto, la investigación busca revelar el hilo de Ariadna que nos conduce desde la figura de Herbert Bayer y su influyente esquema gráfico de Fundamentals of Exhibition Design (1939), hasta la presencia de la imagen en movimiento en el diseño arquitectónico más contemporáneo, entendida ésta, como materia y material conceptual. Concretamente mediante el análisis de tres líneas principales cuya relación se pretende desarrollar: por una parte, las aportaciones de Herbert Bayer en el campo visual y del diseño expositivo; por otra, las experiencias pioneras de hibridación entre arquitectura, teatro y video proyecciones de los años 50; y finalmente, el estudio de proyectos de fin de siglo en los que lo audiovisual constituye un soporte decisivo en la definición arquitectónica. Mediante la revisión bibliográfica como método de trabajo, apoyada de un análisis intencional de ejemplos, se procura justificar el vínculo entre los anteriores enfoques. Las conclusiones apuntan al linaje de la fusión de los mundos físico y virtual en la arquitectura, a través de la imagen en movimiento insertada en su diseño.

La cianotipia como recurso en el arte contemporáneo: una luz azul que no se apaga

El proceso fotoquímico conocido como cianotipia es uno de los medios de obtención de imágenes fotográficas más sencillos y a la vez más sugerentes que existen. Tras ser descubierta en la primera mitad del siglo XIX y ser utilizada ampliamente en el siglo XX para realizar copias de planos arquitectónicos ahora, en el siglo XXI y tras la popularización masiva de la imagen digital, parecía condenada a desaparecer. Sin embargo, las nuevas tecnologías han abierto nuevos caminos, por ejemplo, posibilitado creaciones híbridas (mediante la elaboración de negativos digitales para la obtención de cianotipos) o favoreciendo la difusión tanto de estas creaciones como de manuales técnicos a través de la red. Actualmente la cianotipia es un recurso utilizado en distintos ámbitos; junto a las aplicaciones pedagógicas o terapéuticas podemos encontrar unos significativos resultados artísticos en distintas partes del mundo, España entre ellas. Todas estas cuestiones son abordadas en el presente artículo

Para salvar la desmemoria: Lucía Victoria Bacardí, precursora de la escultura en Santiago de Cuba.

El artículo valora la significación de la escultora Lucía Victoria Bacardí Cape dentro del arte cubano. Analiza el repertorio iconográfico de piezas ubicadas en el museo Emilio Bacardí Moreau de Santiago de Cuba. Se aborda su figura como creadora en un contexto cultural que la convierte en una artista excepcional en Cuba. Expone la estatura artística de una creadora prácticamente ignorada por la literatura y por el público. En un primer momento se examinan sus etapas de formación artística, en correspondencia con el contexto socio-histórico y cultural que generó su creación. A continuación se ofrece una valoración del conjunto creativo de la artista mediante el análisis de su valor estético, la identificación de sus principales referentes artísticos y el lugar que ocupa esta mujer dentro del panorama de la escultura cubana. Estudiar su obra es reconocer su personalidad artística y humana transgresora, al dedicarse a un arte que había estado vedado a la mujer y en el que ella sobresalió.

Creatividad y futuros en stop motion: aprendiendo a construir historias colaborativamente1

En el presente artículo presentamos los resultados de los talleres de creación de narrativas audiovisuales vinculados al proyecto Cazadores de historias del futuro, llevados a cabo en escuelas primarias y secundarias de Barcelona (España). Estos talleres, basados en la creación de historias mediante un juego de cartas colaborativo y su materialización mediante la técnica de stop motion, se produjeron en el contexto de un proyecto de investigación dedicado a la creación de herramientas y estrategias narrativas que permiten abordar en forma especulativa cuestiones sociales y medioambientales en distintos entornos educativos. A partir del análisis de los materiales generados en los talleres y de la observación del proceso creativo profundizaremos en dos aspectos: a) las estrategias creativas, de improvisación o gestión de los equipos b) las formas en las que emergen los temas socio-ambientales, así como otros temas significativos vinculados con la vida cotidiana de los participantes y su universo simbólico.

Banksy, humor británico e ironía ácida grafiteados. Sentido, significado e inversión del ready-made en el arte urbano

En la periferia del debate intelectual acerca de la redefinición del arte visual, el street art o arte urbano va adquiriendo progresivamente un status más nítido como manifestación artística con valor intrínseco capitaneado por un conjunto de artistas que, bajo el anonimato, son capaces de producir arte sobre los muros de la ciudad misma, proyectándolo en el espacio público y fuera de los circuitos museísticos. Esta investigación analiza los fundamentos teóricos de la significación en los grafitis y el arte urbano y considera, como hipótesis de partida, el papel de la arquitectura y de la ciudad como elementos de un ready-made invertido que los artistas callejeros, en último término, utilizan no sólo como soporte material sino como instrumento de significación integrado en su obra de manera inequívocamente intencional. Las conclusiones situarán al lector y al ciudadano en una posición clave para entender la obra de Banksy como ejemplo paradigmático de este nuevo medio expresivo en el que la obra gráfica dialoga y se integra en su contexto físico definido por los límites materiales que conforman el espacio público. Esta nueva concepción más sofisticada del arte urbano sitúa este tipo de producción artística (ejecutada por una minoría crítica y recibida por una mayoría social) en el centro de la problemática cultural contemporánea, resignificando a la ciudad como continente a la vez que como contenido artístico e integrando a la obra plástica grafiteada y su contexto urbano en un mismo significante.