The Colors of the Ineffable—Jerzy Nowosielski’s Monumental Works as a Contemporary Search for Sacred Space

The subject of this work is the monumental art of Jerzy Nowosielski (1923–2011), one of the most outstanding contemporary Polish painters, who combined modernity with the orthodox icon aesthetics. This work discusses the monumental realizations of Nowosielski, especially the architectural polychromes made by the artist in Catholic and Orthodox churches in Poland in the years 1950–1999. The aim of the inquiry is to present his work theoretically and place it in a broader artistic context. The research shows that Nowosielski’s monumental works results from a strongly defined artistic concept aimed at ‘mystagogy of space’. Nowosielski’s work is an original synthesis of the modernist avant-garde and traditional canons of religious art. The analysis of the problem was carried out in two areas: (1) analysis of the artist’s theoretical statements; (2) analysis of the artistic form with particular emphasis on the color aspect, based on the example of selected churches in Wesoła, Tychy, and Biały Bór. The work uses comparative references to the ideas of Wassily Kandinsky, Kazimir Malevich, Piet Mondrian, and Le Corbusier.

O expressionismo e a poética do lixo

A mais violenta das vanguardas artísticas do início do século XX, o expressionismo desafia o discurso totalitário por meio da atualização da ambivalência entre o puro e o impuro característica do regime do sagrado. O presente trabalho busca compreender o sentido do expressionismo na literatura em um diálogo frutífero com as artes visuais. A poética do lixo elaborada em diferentes âmbitos culturais pelos autores tais como Wassily Kandinsky, Czesław Miłosz, Witold Gombrowicz e Nuno Ramos torna-se nesse contexto uma forma de se trazer para o âmbito da arte a preocupação pela vida subjetiva do ser humano ameaçada pelo nivelamento totalitário.

El aura y las formas de pensamiento en la pintura abstracta de las Primeras Vanguardias

Resumen La publicación de una serie de manuales teosóficos a finales del siglo XIX y principios del XX sobre cuestiones tan novedosas como la tipología de las formas del pensamiento y lo referente a la composición cromática del concepto del aura, supuso para numerosos creadores vanguardistas la apertura de nuevas posibilidades experimentales. En este sentido, algunas de las propuestas pictóricas de Wassily Kandinsky, Theo van Doesburg y František Kupka, entre otros, se podrían interpretar como permutaciones cromáticas a partir de la estipulación teórica que generaron especialmente los teósofos C.W. Leadbeater y Annie Besant. Sin realizar una traslación mimética de las diferentes conjeturas planteadas en las creencias de esta escuela de pensamiento hermético, dichos artistas se embarcaron en la proyección de nuevas oportunidades experimentales a la vez que se sustentaban en la validación de un corpus teórico que justificaba la práctica abstracta en relación con un entramado de mayor acercamiento espiritual.

THE SYNTHESIS OF PAINTING AND MUSIC: WASSILY KANDINSKY – ALFRED SCHNITTKE

The interaction between colors and sounds, music and painting has existed long since. Throughout the centuries these two kinds of art have been developing simultaneously and in close contact with each other, besides. Composers, especially those of the 20th century, find in the sphere of painting images for their musical compositions, without trying to depict definite plot lines or specific landscape sketches. The paper analyzes a specific composition by Alfred Schnittke – Wassily Kandinsky – The Yellow Sound. Research aim: to investigate the features of musical implementation of W. Kandinsky’s ideas by Alfred Schnittke on the basis of a comparative analysis of specific compositions of both authors. Research method: a comparative analysis

Entre Música e Pintura: Kandinsky e a Composição Multissensorial

A multifacetada carreira de Wassily Kandinsky (1866-1944) projeta desafios e provocações para o diálogo entre artes e saberes. Entre ensaio, literatura, etnografia, pintura, música e teatro, Kandinsky se move em meio a realizações estéticas e reflexões conceptuais. Neste livro, tais aspectos multissensoriais de Kandinsky são examinados a partir de estudos preparatórios e documentação de processo criativo para um projeto interartístico específico: orquestrações para o ciclo de pinturas denominado Composições, do pintor russo. Ao fim, o que se vislumbra é um amplo campo de experimentações que se articula a partir de diversos espaços-tempo de escrita: os traços na tela, as notas na pauta e as palavras na página.

“O sol crestante derrama os seus raios ardentes”, enquanto a serpente, como secreta protectora, repousa no meu quarto no 59 do Palace-Hotel de Santa Fé. Experiência e discurso antropológico em Wassily Kandinsky e Aby M. Warburg

Não é o olhar sobre os vestígios do que já foi mas o olhar sobre o que está a ser que leva Wassily Kandinsky a visitar camponeses em Vologda, no ano 1889, e Aby M. Warburg a procurar o lugar dos índios Pueblo no Novo México em 1895. Ambos são parte de uma mesma época. Cada um por si transporta uma genética própria como expressão de uma herança cultural europeia comum, mar- cada também, e apesar disso, pela convivência com diferentes tradições religiosas. Estão os dois a ocidente e deslocam-se: o primeiro para o norte da Rússia, o segundo em direcção ao sul dos EUA. De que vão à procura? O que anima o deslocamento de cada um a lugares onde se habita numa conformidade autêntica com os elementos e a natureza? O que os move em direcção ao que podendo ser diferente está a ser, mesmo que radicado em vestígios que a passagem do tempo não eliminou? Como um quase, isto é, deixando sempre de fora mais do que conscientemente deseja- riam, Wassily Kandinsky e Aby M. Warburg observam, estudam e catalogam, classificam o que lhes é estranho e os fascina no viver de outros seres humanos. O futuro artista plástico e o já historiador de arte, a um tempo e ainda que em diferentes lugares, tomam para si, por uma vez na vida, a carne de antropólogos e etnólogos. Forte vivência essa que para sempre perdurará nas suas concepções estéticas! Seguiremos esses trajectos através do que sobrou escrito e captado por imagens visuais em <Wologda Tagebuch> de Kandinsky e Schlangenritual ”“ Ein Reisebericht de Aby M. Warburg.

LA REPRESENTACIÓN BIDIMENSIONAL DEL ESPACIO Y EL TIEMPO EN LAS VANGUARDIAS DEL ARTE

El espacio y el tiempo son dos conceptos fundamentales en la representación de la obra de arte, por ello, este escrito parte de la definición y estudio de los conceptos, teorías y paradigmas que se han generado al respecto y de su aplicación en el arte. Para este propósito, se hace una exploración teórica dada a partir de la filosofía, la cual sirve como base para abordar dichos conceptos desde la naturaleza, realidad y estructura métrica del espacio y del tiempo; en un segundo apartado, se analiza su configuración formal mediante aspectos como: la percepción del espacio que contempla los niveles de profundidad, el traslapo, la transparencia y las deformaciones como indicadores espaciales, gradientes y tipos de perspectivas; la representación del tiempo, en donde se contemplaron los sucesos, la simultaneidad, la secuencia, la velocidad, el movimiento estroboscópico, la dinámica y la oblicuidad; finalmente, se analizaron los tipos de espacios (cognoscitivo , abstracto, perceptivo, creado, vivencial, artístico) y tiempos (mental, físico, periódico, cronológico, vivencial) presentes en la obra. El objetivo de esta investigación consiste en determinar los elementos compositivos que hacen evidente la aparición de diferentes espacios y tiempos en la obra de arte. Se presentan como casos ejemplificativos las obras de Pablo Picasso (Las Señoritas de Avignon, 1907), Wassily Kandinsky (Composición VIII, 1923) y Piet Mondrian (Cuadro Nº 2, 1925). Los resultados de este trabajo de análisis aportan una base conceptual referida a la representación y la configuración formal del espacio-tiempo en el arte pictórico de vanguardia del siglo XX. Palabras clave: Representación, espacio-tiempo, arte, vanguardias.AbstractSpace and time are two fundamental concepts in the representation of artwork. Thus, this writing embraces the definition and study of the concepts, theories and paradigms that have been generated in this regard and their application in art. For this purpose, a theoretical exploration was made based on philosophy, which serves as a basis to address the concepts from the nature, reality and metric structure of space and time. In a second section, the formal configuration was analyzed through aspects such as: space perception, which considers depth levels, overlapping, transparency and deformations as spatial indicators, gradients and types of perspectives. The representation of time, where events, simultaneity, sequence, speed, stroboscopic movement, dynamics and obliquity were contemplated. Finally, space types (cognitive, abstract, perceptual, created, experiential, artistic) and times (mental, physical, periodic, chronological, experiential) present in the work were analyzed. The objective of this research was to determine the compositional elements that make the appearance of different spaces and times evident in artwork. The works of Pablo Picasso (The Young Ladies of Avignon, 1907), Wassily Kandinsky (Composition VIII, 1923) and Piet Mondrian (Table Nº 2, 1925) are presented as exemplary cases. The results of this analysis work provide a conceptual basis for the representation and formal configuration of space-time in avant-garde pictorial art of the 20th century.Keywords Representation, space-time, art, vanguards.

OS ESTUDOS COREOLÓGICOS COMO PRÁXIS PARA CONSTRUÇÃO DE UMA DRAMATURGIA AFETIVA

O presente artigo traz os Estudos Coreológicos como uma práxis que, ao ser apre(e)ndida pelo bailarino/ator/performer, permite que esse desenvolva um domínio do seu movimento, empoderando-se de sua potência criativa na composição em dança. A Coreologia, quando incorporada, ativa um processo de pensar em termos de movimento – um tipo de pensamento que advogo como dramatúrgico. Para experimentar a dramaturgia que surge do pensamento ocorrido por meio do movimento, trabalhamos com uma obra do pintor Wassily Kandinsky, como um mapa de intensidades, formas, dinâmicas e espacialidades que orientaram a criação dos performers. O processo criativo resultante dessa experimentação revelou uma dramaturgia afetiva, realizada pelos intérpretes-criadores do trabalho que coletivamente organizaram afetos – individuais e coletivos – no espaço-tempo da cena. Palavras-chavesEstudos Coreológicos. Dramaturgia. Afeto. Processo de Criação.

Circulação, recepção e apropriação do método de ensino do desenho de Louise Artus-Perrelet

O método de ensino do desenho para crianças da arte-educadora Louise Artus-Perrelet foi sistematizado no livro Le Dessin au Service de l’Éducation, traduzido e publicado no Brasil em 1930, quando a autora visitou o país para conferências. O trabalho de Artus-Perrelet é analisado como proposta de educação estética na formação de professores primários, relacionando-o aos princípios modernistas na arte e ao movimento da Escola Nova. Artus-Perrelet dialoga com processos pedagógicos e de criação de Paul Klee e Wassily Kandinsky, professores na Escola Bauhaus, e com a pedagogia ativa genebrina. Seu método foi apropriado no contexto brasileiro por meio de relatos da poeta Cecília Meireles publicados no Rio de Janeiro, e no trabalho de seu aluno Jean-Pierre Chabloz, artista plástico e educador.