In the Footsteps of Galileo

Italian scientific biopics experienced a period of extraordinary media hype in the 1970s, when some intellectuals personally committed to bringing the lives of the scientists of the past to television in order to discuss the relationship between knowledge and power in the present. Nevertheless, might we properly speak of “Italian-style” historical-scientific fictional drama? To answer this question, we will focus on Roberto Rossellini, Liliana Cavani and, above all, Lucio Lombardo Radice, a promoter, scientific consultant, author and presenter of, and sometimes even actor in, some of the most controversial of these scientific biopics. This article aims, first of all, to reconstruct this history, explaining the reasons for the success of the genre, starting in the 1960s, and the crisis it underwent in the 1980s; secondly, to ascertain the influences these ideological works exerted on choices, approaches and styles of the next generation of science historians and communicators.

De Rossellini a Rossellini: dois processos de criação que se sobrepõem

O cineasta italiano Roberto Rossellini foi, de todos os cineastas neorrealistas, quem levou ao cinema de ficção a estética documental em sua maior radicalidade. Em sua “trilogia da guerra”, constituída por Roma, cidade aberta, Paisà e Alemanha, ano zero, essa estética documental deriva em grande medida do uso de atores não profissionais, recrutados entre a população local, e da filmagem em locação. Na trilogia e em vários de seus filmes, anteriores e posteriores, seu irmão mais novo, o compositor Renzo Rossellini, assina as trilhas sonoras. No presente artigo, discutiremos os processos de criação e as escolhas estéticas de um e de outro, de modo a evidenciar o quanto, frequentemente, parecem chocar-se ou no mínimo sobrepor-se. Tomando por objeto o trabalho desenvolvido por ambos em Alemanha, ano zero, apresentaremos como ponto fulcral um gráfico – por nós elaborado – em que relacionaremos cinquenta e cinco sequências fílmicas à respectiva banda sonora, como meio de demonstrar nossa tese.

Complicating Articulation in Art Cinema

Complicating Articulation in Art Cinema argues that art cinema, unlike classical film, draws attention to its disjointed, multi-parted form, but that criticism has too frequently sought to explain this complexity away by stitching the parts together in totalizing readings. This stitching together has often relied on the assumption that complicated character explains articulated form and that the solution to art cinema’s puzzles lies in interpreting each film as the expression of a focalizing character’s internal disturbance. This book challenges this assumption. It argues that the attempt to explain formal complexity through this character-centric approach reduces formal achievements and enigmatic characters to inadequate approximations of one another. Reference to character cannot fully tame unschematic and unpredictable combinations of—and collisions between—contradictory levels of narration, clashing styles, discontinuously edited shots, jarring allusions, dislocated genre signifiers, and intermedial elements. Through close analyses of films by Roberto Rossellini, Robert Bresson, Luis Buñuel, Terence Davies, Peter Greenaway, and Kelly Reichardt, Complicating Articulation in Art Cinema offers an ethics of criticism that suggests that the politics of art cinema’s eccentric form are limited by character-centred readings. Each of the featured films presents inarticulate or muted characters, whose emotional and intellectual lives are unknowable, further complicating the relationship between character and form. This book argues that, by acknowledging this resistance to interpretation, critics can think in new ways about art cinema’s interrogation of the possibilities of knowledge.

Conhecimento, paixão e condenação a trajetória filosófica de Sócrates pelo olhar cinematográfico de Roberto Rossellini.

Neste artigo buscamos contextualizar o cinema como forma de estudo da história e fonte de conhecimento. Uma vez que esta linguagem pode condensar diversas visões acerca de um fenômeno, ela se apresentará como meio para o desenvolvimento de uma postura crítica e reflexiva sobre a relação cinema e história, bem como os objetos que permeiam este discurso. Analisaremos o filme Sócrates (1972) da coleção Os Filósofos, dirigida por Roberto Rossellini, buscando, através do olhar cinematográfico, reconstruir a história do filósofo e a evolução de seus pensamentos, numa perspectiva filosófica. Rossellini focaliza o caminho de Sócrates até a sua morte por cicuta, ilustrando a fidelidade do filósofo à sua própria consciência. É mostrado com certo rigor histórico conflitos e guerras, as nuances do politeísmo grego, o espírito questionador da filosofia antiga e o julgamento de Sócrates perante a Assembleia. O artigo analisa, de forma intertextual, as principais obras de Sócrates e aquelas que seus discípulos escreveram sobre ele como a Defesa de Sócrates, por Platão e os Ditos e feitos memoráveis de Sócrates, por Xenofonte. Incluímos, também, observações advindas de artigos científicos que versam sobre as experiências do filósofo e reflexões filosóficas realizadas por este. A análise fílmica foi feita com base nas transcrições de diálogos, imagens, luz e banda sonora, refletindo sobre conceitos de filosofia e religião presentes na obra. Pretendemos mostrar que o uso do cinema explorado criticamente de forma ampliada, ou seja, através dos símbolos e signos que estruturam uma base de valores estéticos e éticos em algum contexto temático e cultural, pode potencializar a construção de novos saberes e reflexões.

Neorrealismo italiano: la mirada y el misterio

El neorrealismo supuso una revolución en el arte cinematográfico italiano que anunció el cine moderno. Configuró la presencia de una realidad en la que la cámara busca la inmediatez del hombre ignorado, o l’uomo cualunque, en expresión de Roberto Rossellini. La cámara no recrea la realidad, es ella misma la que se nos irá descubriendo sin estar sometida a un sistema, y gracias a esta espontaneidad nos muestra sus misterios. Ello implica una nueva mirada en el cine, que en el de Vittorio De Sica es más desnuda y en el de Federico Fellini integra la fantasía, sobre todo en su mirada hacia los marginados. Este artículo cuenta con el soporte de la visión crítica de los cineastas que pertenecían a Cahiers du Cinéma y parte desde el luminoso umbral de la pensadora universal María Zambrano.

Remontagens do tempo vivido e não vivido: A tentativa de capturar o inominável

Este artigo tem por objetivo, a partir de certa perspectiva warburguiana, estabelecer alguns paralelos e um diálogo entre dois olhares estrangeiros sobre a Alemanha da Segunda Guerra Mundial e do pós-guerra – um, documental, do então jornalista, roteirista e soldado estadunidense Samuel Fuller; o outro, ficcional, do cineasta italiano Roberto Rossellini. Aproximações estéticas – a despeito de, em Fuller, tratar-se mais de um “protocinema”, mas que iria marcar a fogo sua obra como cineasta – e éticas, e eventuais desdobramentos, constituem vasto material que não se esgota neste texto. Além de tomarmos emprestado certo olhar do historiador da arte Aby Warburg, pelas pranchas de seu Mnemosyne enquanto espaço de interstícios e intersecções, sempre passível de composição e recomposição, buscaremos subsídios, para falar da obra de Fuller (Falkenau), em Georges Didi-Huberman. Ao tratarmos da obra de Rossellini que dialogará com a de Fuller, traremos algumas reflexões a respeito de seu filme que encerra a chamada “trilogia da guerra”, Alemanha ano zero.

Una utopía artística: juego y televisión en Personalmente T.Video

Como aporte a los aún incipientes estudios de la televisión artística y del videoarte en Colombia en los años ochenta, se presenta un análisis del primer programa de televisión artística en el país hasta ahora conocido. Este estudio de Personalmente T.Video (1986) identifica los retos que el programa se propuso de cara a la televisión institucional, el modo como asumió y exploró el flujo televisual y videístico en vínculo con el juego y apuesta por la educación libre de creación de nuevas imágenes y lenguajes televisivos. El estudio da cuenta de cómo los productores propusieron una utopía televisiva de corte pedagógico y lúdico en diálogo y contraposición con Roberto Rossellini, Jean-Luc Godard y Anne-Marie Miéville.

Retomando "Instrucciones para convertirse"

Este ensayo analiza una serie de performance fotográficos de Emilio Rojas titulada Instrucciones para convertirse (2019). La serie de Rojas rinde homenaje a la artista Laura Aguilar y, pensando en el homenaje, este ensayo considera el gesto, así como al llamado y la respuesta, como técnicas de performance, mediante las cuales los cuerpos y las obras de arte saltan cuerpo a cuerpo, miembro a miembro. A través de otra obra de Rojas, Heridas Abiertas (A Gloria), el ensayo luego se mueve para discutir la obra Fringe, de la artista anishnaabe Rebecca Belmore, que se puede leer junto a la amalgama Rojas/Aguilar. La aparición de Belmore en el capítulo marca el comienzo de un trabajo que hace gestos hacia mundos ancestrales, en su caso indígenas, para presentar alternativas a la marcha miope de los registros del tiempo capital-colonial. Acto seguido, hago un contrapunto entre Viaje a Italia, de Roberto Rossellini, y lsa obras de Belmore, Aguilar y Rojas. La película de Rossellini, así como los performances de Rojas, Aguilar y Belmore, exploran el salto de la gestualidad entre materiales animados e inanimados, entre materiales humanos y no humanos, como son las estatuas de piedra y la carne humana o, en el caso de Rojas, las extremidades de los árboles y las extremidades humanas. El esfuerzo, en todo el ensayos, es producir una práctica de críticismo de performance decolonial.

The Diasporic Cinemas of Ingrid Bergman

This chapter examines the notion of Nordic otherness in the film work of Ingrid Bergman. Otherness here refers to the construction of Bergman as an outsider in films in Hollywood, Italy and, at the end of her career, back in Swedish cinema again. This difference can be understood as one that seemed both strange yet compelling, and is part of a long history of Hollywood casting Europeans as compelling others. From her works in Hollywood (1939–49) to her Italian period with Roberto Rossellini (1950–6), to her last film and her return to Swedish film in Ingmar Bergman’s Autumn Sonata (Höstsonaten, Sweden/West Germany, 1978), the present study characterizes Bergman’s body of work through interlinked themes: the role as a Swedish/European other; the working woman (i.e. a woman in the workforce), both in terms of the promotion of her career and many of the roles themselves that are subject to forms of constraint (from marriage to martyrdom). The chapter traces her transnational career and reclaims Bergman as an actress with a great deal of agency over her career.

Under Capricorn (1949)

Under Capricorn proved to be a disaster on several fronts. Hitchcock had never dealt well with costume melodramas, saying that he couldn’t imagine how people of bygone days could manage bathroom trips. He had purchased the property with Ingrid Bergman, one of the most popular female stars of the day, in mind for the lead. But Bergman proved to be a drawback: shortly after filming ended, she outraged the American public by abandoning her husband and daughter for Italian director Roberto Rossellini. The Production Code office spent more time worrying about the morality of the star than the morals of the movie, and Joe Breen wrote a letter to Bergman, later made public, asking her to reconsider her choice or risk losing her career. Bergman’s fall from grace, poor casting choices, a lackluster script, and Hitchcock’s decision to continue the experimentation with long takes he had begun with Rope all contributed to the failure of the movie, which lost over $1 million and marked the end of Transatlantic films as an independent producer.