Virtual Reality and Immersive Representation in Recent Refugee Narratives

Virtual reality (VR) offers an exciting new way to represent crises of forced migration. Like many new technologies, though, VR risks exacerbating the challenges that exist in more traditional modes of representation, particularly that of documentary film. This essay examines two VR projects that depict migrants attempting to cross borders: Carne y Arena (Virtually Present, Physically Invisible) by Alejandro González Iñárritu and We Wait, co-produced by Aardman Studios and the BBC. The two projects differ in technique but share many characteristics as they attempt to encourage empathy in the viewer through the use of immersive technology.

Film zakulisowy jako gatunek i zwierciadło społeczne

Artykuł jest próbą charakterystyki nieopisanego dotąd zjawiska – filmu zakulisowego. Jego schemat fabularny opiera się na śledzeniu procesu powstawania spektaklu teatralnego od castingu po udaną premierę, do której dochodzi pomimo licznych perypetii. Ważną jego cechą jest przedstawienie zespołu teatralnego jako mikrospołeczności o potencjale metafory społecznej. Za prototyp gatunku można uznać backstage musical Busby’ego Berkeleya. W kolejnych dekadach nawiązywali do niego lub dekonstruowali jego struktury między innymi John Cassavetes, Bob Fosse, Carlos Saura, a ostatnio Alejandro González Iñárritu. Krzysztof Kieślowski i Agnieszka Holland w filmach należących do nurtu moralnego niepokoju w autorski sposób wykorzystali formułę filmu zakulisowego, by opowiedzieć o utracie złudzeń i zakwestionować ideę zespołu. Sugerowali przy tym, by ich filmy odczytywać nie jako krytykę instytucji teatru, lecz uniwersalne metafory społeczne.

Comunicación y negociación en babel, de Alejandro González Iñárritu

La presente investigación analiza la película Babel (2006), dirigida por el mexicano Alejandro González Iñárritu. Su tercera obra indaga en la comunicación intrapersonal e interpersonal del ser humano, a través de todo lo que se dice y lo que no se dice. Más allá de la perfección estética o cinematográfica, se analizan diversas teorías de la comunicación y la negociación, que aparecen y destacan sobremanera en el metraje. La hipótesis de la que se parte es que la grandeza y calidad de Babel no está sólo en su montaje, paisajes, música original o interpretaciones de los actores, sino en la profundidad del mensaje que quiere transmitir. Los personajes apenas hablan y la película tiene muchos momentos de silencio. Sin embargo, sus breves líneas de diálogo, unidas a sus gestos y movimientos, están plagadas de ejemplos comunicativos dignos de ser examinados.

El análisis transaccional como herramienta para guionistas de cine y televisión

La presente investigación analiza la potencialidad del Análisis Transaccional como herramienta para guionistas de cine y de televisión. La primera parte profundiza en algunas obras de guionistas que citan el Análisis Transaccional, de Eric Berne, y otras teorías para conseguir la inspiración y un buen guion. La segunda parte concentra las principales partes del Análisis Transaccional y su aplicación en la película Babel (2006), dirigida por el mexicano Alejandro González Iñárritu.

Barcelona postolímpica en el cine

El artículo analiza a través de una selección de películas cómo el cine ha retratado la Barcelona postolímpica. Se distinguen a grandes rasgos dos maneras básicas de representar cinematográficamente la capital catalana: la primera muestra una Barcelona idealizada, análoga a la que se vende a los turistas, contribuyendo así, de forma más o menos voluntaria, a reforzar y promocionar tanto el modelo Barcelona de transformación urbana como la marca Barcelona; la segunda ofrece una mirada más crítica sobre la ciudad, centrándose en algunos de los problemas que la afectan (especulación, gentrificación, desigualdades sociales, exclusión y explotación de los inmigrantes) y retratando la existencia de los que viven en el margen de la Barcelona turística. Partiendo de esta distinción, se analizan Todo sobre mi madre (1999) de Pedro Almodóvar, L’auberge espagnole (2002) de Cédric Klapisch y Vicky Cristina Barcelona (2008) de Woody Allen para ilustrar la primera modalidad de representación, y En construcción (2001) de José Luis Guerín y Biutiful (2010) de Alejandro González Iñárritu para ejemplificar la segunda.

Behind the money: Alejandro González Iñárritu as career director

This article is presented in two halves. The first analyses little known interviews with Iñárritu before he made his career in feature films that document his practice in radio, advertising and television drama. These interviews focus on his early conception of the relation between art and commerce and his views on the Mexican media scene in the 1990s. The second half of the article analyses the rare primary materials themselves: radio commercials, television idents and, at much greater length, his first feature-length fiction film, an experimental drama made for Televisa in 1995 called Detrás del dinero/Behind the Money. The conclusion argues that even as Iñárritu has more recently distanced himself from broadcasting, his later career as an artistic and commercially successful feature film director embodies a precarious balance between artistic innovation and mass culture and a focus on the audience which he first learned in his early work in advertising, radio and television.

Shifting conceptions of Alejandro González Iñárritu: Interpreting the auteur

This introduction to a Special Issue of Studies in Spanish and Latin American Cinema charts the shift in Alejandro González Iñárritu's directorial persona from transnational auteur to mainstream figure over the course of his six feature films and virtual reality installation: Amores perros (2000), 21 Grams (2003), Babel (2006), Biutiful (2010), Birdman or (The Unexpected Virtue of Ignorance) (2014), The Revenant (2015) and the installation Carne y arena (Virtually Present, Physically invisible) (2017). It argues that this shift into a (predominantly Anglo) mainstream is reflected in the different ways in which his last names (apellidos) are used, abbreviated or even excised altogether, and in the differing approaches to him as auteur employed by the authors of the different articles, but that Iñárritu’s persona and creative collaborators continue to be primarily determined by his Mexican and Latin American identity.

Alejandro González Iñárritu’s melodramatic masculinities

Melodrama is a genre with deep roots in Mexican cinema with distinct conventions and particularities. Alejandro González Iñárritu (AGI) demonstrates a fluency in this genre integrating it into the conventions of transnational art house cinema. As someone whose auteur status is conferred both through multiple prestigious awards and articulations of his creative self as originator of his projects, AGI’s play with genre is often overlooked. Using videographic criticism as a tool for analysis, this article considers the actor’s dynamic performances in AGI’s male-centred melodramas Amores perros (2000), 21 Grams (2003), Babel (2006), Birdman or (The Unexpected Virtue of Ignorance) (2014) and The Revenant (2015).

Whose film is it anyway? The battle over auteur status between Alejandro González Iñárritu and Guillermo Arriaga

Director Alejandro González Iñárritu and screenwriter and novelist Guillermo Arriaga worked together on three, highly successful films – Amores perros (2000), 21 Grams (2003) and Babel (2006). Yet, theirs was a troubled partnership and ended in a public feud. Arriaga stressed his creative primacy in the projects they worked on and downplayed the input of the director, while Iñárritu underplayed Arriaga’s contribution after Amores perros. Finally, during the making of Babel, these tensions came to a head and their collaboration came to an acrimonious end over irreconcilably different notions of what we might term ‘creative credit’. This well-known collaboration, feud and separation tell a story of creative partnerships, film industry working practices, power plays and media manipulations. This article examines the public statements of the two men and explores their story. It also asks a series of questions that relate to their specific relationship, but also to broader power dynamics between directors and the screenwriters with whom they work when both have auteurist ambitions: what does the Iñárritu/Arriaga dispute reveal about discourses of auteurism and its construction? What is the role of the screenwriter and his/her access to an auteurist status in the film industry?

Birdman: La Inesperada Virtud de la Ignorancia. La Puesta en Cámara como Objeto de Estudio

Es bien sabido que la cinematográfica reúne características principales de otras artes, sin embargo, la puesta en cámara es uno de aspectos que le da esencia al cine, por lo que, cada acción que realiza la cámara será a favor de la historia y su semiótica. Birdman: La inesperada virtud de la ignorancia (2014) es el quinto filme del director Alejandro González Iñárritu, el cual narra un drama sarcástico con una crítica hacia la industria cinematográfica, dichos aspectos narrativos se ven reflejados en la puesta en cámara, factor que hace de esta película un objeto de estudio interesante para comprender la gran importancia que tiene la cámara con respecto a la historia, por lo tanto, en este artículo de investigación analizaremos tres secuencias importantes dentro del filme y su relación con la trama e historia.