Musical Improvisational Interactions in the Digital Era

This paper considers the issue of musical improvisational interactions in the digital era by pursuing the following three steps. 1) I will raise the question of the meaning and value of liveness, and in particular of live musical improvisation, in the age of the internet and discuss some effects of the so-called digital revolution on improvisation practices. 2) Then I will suggest that the interactions made possible by the web can be understood as kinds of live improvisational practices and I will briefly outline how such practices also involve musical improvisation. 3) Finally, I will focus on some aesthetic and philosophical aspects of new kinds of live improvisation made possible by recent progress in artificial intelligence research.

Le disque à l’heure du web, un paradoxe ?

Le disque pourrait presque paraître incongru dans le monde musical contemporain européen où règne la dématérialisation, notamment par l’importante croissance du streaming. Pourtant, à côté de l’offre numérique, où se côtoient des formats de qualités fort disparates et où l’importance du nomadisme prime parfois sur la qualité sonore, force est de constater que le disque survit sous la forme du CD ou même du vinyle. Outre la bataille entre tenants de l’analogique et adeptes du numérique qui en critiquent la supériorité, si le disque reste une « carte de visite » pour les artistes (fondant parfois leur propre label discographique pour échapper aux dictats des grandes majors) et un support « noble » pour les auditeurs, c’est que des éléments extra-musicaux sont à envisager pour expliquer cette survie : l’objet, parfois luxueux, que le disque constitue devient en effet un repère dans une société où la nouveauté et la profusion ont pris une place prépondérante. L’écoute d’un disque reste un moment privilégié où, à l’oreille, s’associent le plaisir de l’œil et d’un sentiment de propriété d’un objet choisi aussi pour son esthétique et pour ce qu’il symbolise au milieu de l’offre pléthorique que permet le web.

Entre flânerie et collectionnisme. Un regard benjaminien sur l’expérience musicale à l’ère du web

Cet essai est articulé en trois sections. Dans la première, une analyse de la critique de Peter Bürger, envers le Kunstwerkschrift de Benjamin me permet de dégager trois points essentiels pour une compréhension adéquate de l’impact des nouvelles technologies sur notre réception de la musique, et de l’art en général. Dans la partie centrale (et principale), je m’appuierai sur deux figures benjaminiennes révélatrices des changements sociaux dans les métropoles européennes (Paris faisant figure de cas paradigmatique) au cours du 19èmesiècle, à savoir le flâneur et le collectionneur, en les utilisant comme outils herméneutiques pour la compréhension des changements apportés par Internet a notre expérience de la musique. La clé de lecture offerte par le texte de Benjamin me conduit à caractériser Spotify, à savoir l’une des principales plateformes musicales du web, comme un espace hybride, où coexistent passé et futur, et où l’espace public est peuplé de collection privées, qui constituent une sorte de (paradoxale) réalisation virtuelle des passages parisiens, définis par Benjamin comme un espace « entre la rue et l’intérieur ». La section finale donnera un aperçu des risques et des opportunités qu’implique l’usage de Spotify.

Penser la musique à l’ère du web (2)

Issus de la conférence internationale « Penser la musique à l’ère du web/Thinking Music in the Web Age », les articles de ce numéro de De musica poursuivent l’enquête amorcée dans le numéro précédent sur les transformations rapides et profondes de la culture musicale contemporaine à l’ère du web. Ils traitent notamment de quelques aspects significatifs de l’impact de la révolution numérique sur la production, la diffusion et la réception de la musique.

The quest for myriad strains

In the era in which the web is fully demonstrating its archival potential, more and more composers make use of sound, melody and computer library repositories. It is a clear trend in popular music, which is increasingly being extended also to ‘academic’ composition: today authors can access and contribute to a vast array of audio materials, of procedures and languages, where historicity and innovation coexist in an eternal present. At first glance it may seem a revolution. However, a closer look reveals ancient roots in the history of music that audio reproduction has made only more evident: the fixation of music on tape, at first, has led some composers (e.g. Bruno Maderna) to create sound libraries to be reused in different works, thus blurring the borders of the Opera; later on, the dematerialization and atomization of procedures in IT have pushed towards a philosophy of sharing (e.g. libraries for Computer Assisted Composition systems) – exalted today by the capillarity of the lightning-fast web distribution – raising deep questions about the concept of author itself. Moving further backwards, to the re-uses in Rossini and Mozart, or to the anonymous formulas in Gregorian chant, could we not find the recurrence of a quest for that world of «myriad strains that once shall sound», where the composer can stretch forth a hand for a musical idea, so wonderfully glimpsed by Busoni in his Sketch for a New Esthetic of Music?

Ripensare l’opera lirica nell’era di Internet, a ritroso fino a Jules Verne

A cominciare dalla fine del ventesimo secolo, l’emergenza del Web, delle tecnologie digitali e dello streaming ha profondamente influenzato il mondo musicale. In questo articolo, mi concentro sull’impatto di questo processo trasformativo sulla diffusione e sulla ricezione della musica d’opera. Alcune novità della cultura operistica contemporanea includono il servizio Met Live in HD e Met Opera on Demand a New York, il sistema Friday Rush della Royal Opera House di Londra, la Troisième Scène dell’Opéra de Paris, e la rinnovata popolarità mediatica della serata inaugurale del Teatro alla Scala. Si tratterà anche, in una prospettiva storica di più lunga durata, di tracciare le origini culturali del rapporto fra opera e Web e di esplorare il nesso che, fin dall’Ottocento, lega divismo, melomania, nuovi media e tecnologia di registrazione. Lo studio dell’immaginario letterario e fantascientifico è particolarmente proficuo. Per esempio, nel suo romanzo gotico Le Château des Carpathes (1892), Jules Verne descrive la melomania del barone Rodolphe de Gortz: in un lugubre castello della Transilvania, il barone riporta in vita sotto forma di ologramma la diva italiana La Stilla attraverso proiezioni visive e registrazioni fonografiche.

Tra sintesi vocale e divizzazione olografica Alcune considerazioni sul caso Hatsune Miku

Sviluppato e distribuito nel 2007 per promuovere la seconda versione del software Vocaloid, Hatsune Miku è diventato rapidamente un fenomeno proteiforme. Innanzitutto, Hatsune Miku è un sistema di voce sintetica che lo spettatore-ascoltatore può utilizzare per creare e condividere composizioni personalizzate. In secondo luogo, è una celebrità olografica che appare in concerti dal vivo, nonché l'eroina di una serie di videogiochi project DIVA. In terzo luogo, è la protagonista di numerosi titoli di fan fiction. Infine, dal 2013, è anche la cantante principale di un’opera. In questo articolo ci concentriamo sul caso Hatsune Miku, un esempio eccezionale di olografia nella musica pop, che radicalizza la questione dell'attaccamento dei fan e della celebrità, all'incrocio tra tecnologia, nuovi modelli economici emergenti all'interno delle industrie culturali, cultura dei fan e pubblico creativo.

Singing and playing music through mobile applications: Smule, a new music experience

Mobile phones and the Internet combined have led to the creation of applications that allow their users to perform music using only their Smartphones. With the Smule applications that we analyze in this paper, people can sing karaoke together with other singers from all over the world, or play a tune with their fingertips tapping on a phone’s screen. Besides providing new entertainment activities, the Smule applications and their multiple options regarding audio and video editing can bring about new musical practices and musical artifacts. Smule users can sing duets remotely, without actually singing on the same time – a virtual collective performance. Singing karaoke becomes a solitary practice where togetherness is contrived but not achieved. Video recordings can be edited and shared on a built-in social network, thus being endorsed with a new function: to create bonds within a social network. Analyzing the discourses of Smule creators and developers, we also show that the applications do not achieve what they are promised to do, namely providing social and authentic practices.

Thinking music in the web age (2)

The articles collected in the present issue of De Musica derive from contributions to the international conference “Penser la musique à l’ère du web / Thinking Music in the Web Age” and continue the investigation developed in the previous issue on the rapid and profound transformations of the contemporary musical culture in the web age. They deal in particular with the impact of the so-called digital revolution on the production, the distribution and the reception of music.