La cobertura de los abusos sexuales en la prensa en la era Me Too: los casos Polanski, Weinstein y P. Domingo

Este artículo analiza la cobertura mediática de los abusos sexuales a las mujeres entre 2015 y 2020, en el contexto de la aparición del movimiento MeToo, iniciado el 2017 en los Estados Unidos. La muestra la forman dos diarios generalistas españoles, El País y El Mundo, y se revisa cómo han informado de los casos del productor Harvey Weinstein, del director de cine Roman Polanski y del cantante Plácido Domingo. De 1.625 piezas periodísticas se hace un análisis cualitativo, con categorías periodísticas de protagonismo de víctima y victimario, descripción de personaje y sus acciones, fuentes aludidas, recurrencia a voces expertas y si se referencian o no las leyes contra el abuso sexual. Los tres ejemplos escogidos indican un cambio en los últimos tres años del tratamiento de los medios de los abusos sexuales en la llamada era Me Too, en dirección al empoderamiento de la víctima y a la pérdida de credibilidad del abusador. En el caso de Weinstein esto es más notable y claramente ha llevado el tema de los abusos sexuales a la agenda mundial; en el de Polanski se produjo un aumento del número de noticias sobre los abusos 43 años después de que sucedieran; por último, se duplicó el número de menciones a Plácido Domingo de un año para otro. Cualitativamente, incluso las noticias más estrictas enfatizan la gravedad de los hechos y las piezas de opinión hablan de forma negativa, en muchos casos situándolos en un contexto de lucha feminista a escala global, a pesar de que se detecta todavía la deificación del abusador artista.

An Ecofeminist Reading of Thomas Hardy’s Tess of the D’urbervilles and its Movie Adaptation by Roman Polanski: A Comparative Study

Ecofeminist examination of audio-visual and textual narratives is the central concern of this article. At the core of my study is a comparative analysis of Thomas Hardy’s Tess of the d’Urbervilles (1891) and its movie adaptation by Roman Polanski (1979), with an aim to explore convergent and divergent ecofeminist imperatives. I argue that the novel highlights the intersection between the oppression of women and exploitation of nature. By contrast, the movie adopts an ambiguous stance that undermines the potential of an ethical ecofeminist critique. This is clearly reflected through scenes that represent the encounter between Alec and Tess as a pastoral romance taking place against the backdrop of nature, that ultimately serve to cast their association as the result of natural instinct rather than a crime. This reworking of the novel seems to suggest that the movie’s thrust as a whole is towards exonerating Alec, which undermines the novels’ ecofeminist overtones.

Actes sexuels, horreur et sorcellerie au cinéma. La copulation avec le Diable : une perspective psychanalytique

"Sexual Acts, Horror and Witchcraft in Cinema. The Copulation with the Devil: a Psychoanalytical Perspective. This paper tries to approach, taking as a starting point a Romanian painting from the 18th century, a scene with a strong phantasmatic load: the sexual act of a woman, who is considered a witch, with the devil. Several films are analyzed: Häxan by Benjamin Christensen (1922), Rosemary’s Baby by Roman Polanski (1968), L’Anticristo by Alberto de Martino (1974), Angel above, Devil below by Dominic Bolla (1975). These films share some common features, important for the analytical process: the copulation with the devil, the presence of traumatized characters who are submitted to a psychological cure, the recycling of psychoanalytical vocabulary, especially “hysteria”, the problems with parental instances. In order to interpret these films, there is a coming back to Freud’s ideas on the Devil, as expressed in the letters to Wilhelm Fliess or in the study A Seventeenth-Century Demonological Neurosis (1923). The devil as an image of unconscious impulsions or as a substitute of the father are the main Freudian intuitions used here for an optimal interpretation of the chosen films. Keywords: sex, sexual act, horror, witchcraft, psychoanalysis, Freud, cinema. "

Japońska Polska. Kulturowy wizerunek Polski w Japonii

Obecność kultury polskiej w Japonii sięga początków XX wieku, kiedy po I wojnie światowej pojawiły się tłumaczenia najbardziej znanych dzieł Henryka Sienkiewicza, Władysława Reymonta i Stefana Żeromskiego. Wiele dla popularyzacji Polski w zrobili też franciszkanie w latach trzydziestych i później. Po II wojnie światowej w Japonii odkryto twórczość Stanisława Lema, Witolda Gombrowicza, Stanisława Witkiewicza (Witkacego) czy Brunona Schulza. Ich twórczość była promowana choćby przez Teatr X w Tokio. Pojawiło się również zainteresowanie literaturą polską nawiązującą do II wojny światowej (Jerzy Andrzejewski, Bogdan Wojdowski, Tadeusz Borowski). Do znacznego zainteresowania literaturą polską przyczynili się też tłumacze zarówno już zmarli Yonekawa Kazuo, Yoshigami Shōzō, Kudō Yukio, jak też żyjący Sekiguchi Tokimasa i Numano Mitsuyoshi. W Japonii wystawiał swe sztuki Tadeusz Kantor. Dzięki filmom Andrzeja Wajdy kino polskie zdobyło tam uznanie już w latach pięćdziesiątych. Znani w Japonii są też tacy reżyserzy jak Krzysztof Zanussi, Krzysztof Kieślowski, Roman Polański, Jerzy Kawalerowicz. W Japonii bardzo popularna jest też muzyka Chopina. Nasz kulturalny kanon różni się jednak od tego, który znają Polacy. Jak zauważył Sekugichi Tokimasa: „Polska japońska jest siłą rzeczy inna od Polski polskiej”.

Photogenic qualities of aquatic landscapes in the works of Roman Polański

In his debut feature film, Knife in the Water (1961), and then in the subsequent films Cul-de-sac (1966), Pirates (1986), Frantic (1988), Bitter Moon (1992), Death and the Maiden (1994), and The Ghost Writer (2010), Roman Polański uses the element of water in a significant way. It is particularly interesting when water is visible and constitutes a crucial element of the films’ narrative—woven from water images and aquatic landscapes. So, how do aquatic landscapes function in Polański’s films? I believe that he develops his individual film style in which the element of water—its being filmed—both emphasizes the protagonists’ motivation, often conditions it, and is also a very important detail which shapes images and, therefore, affects the aesthetics of those images. Does a specific kind of aesthetics created by aquatic landscapes—which are characterized by a particular form of photogeneity—exist? Polański certainly does not use common visual clichés. The beauty of his aquatic landscapes is of a different type. They are interesting, original, non-intrusive, yet noticeable—even if they do not dominate the whole image. The text follows the director’s visual strategies which prove the photogenic potential of his films. I argue that this photogeneity—stemming from, inter alia, aquatic landscapes—determines the attractiveness of Polański’s films.

La crisis de la modernidad en la narrativa de "Repulsión", de Roman Polanski

Repulsión (Repulsion, Roman Polanski, 1965) es una de las películas más interesantes de la filmografía de su director por lo significativo de los temas tratados —la alienación del individuo en las sociedades modernas, fundamentalmente— y la narrativa audiovisual que se emplea para expresarlos. La bibliografía de referencia en los estudios sobre Polanski coincide en señalar que las películas del cineasta son representativas de la crisis de la modernidad que se debate en el pensamiento filosófico, particularmente en Francia, a mediados del siglo XX. Hay, sin embargo, pocos análisis que exploren la conexión entre esa cuestión y el lenguaje narrativo de Polanski. Este artículo estudia el modo en que el director emplea en Repulsión los cinco componentes fundamentales de la sintaxis cinematográfica —imagen, montaje, narración, sonido y puesta en escena— para expresar algunas ideas claves de la crisis de la modernidad, como la oposición entre libertad individual y vida en sociedad, objetivismo contra subjetivismo, y orden frente a caos.