scholarly journals O Poeta Conta e Canta a Cidade Moderna

Organon ◽  
2017 ◽  
Vol 32 (63) ◽  
Author(s):  
Edson Rosa da Silva

Resumo: A metrópole moderna implica um outro modo de conceber a poesia, e dessa crise do lugar do poema e do conceito de beleza Baudelaire parece ser digno representante. A coletânea As Flores do mal aponta desde o título para um duplo direcionamento, mantendo uma tensão constante entre o alto e o baixo, o belo e o feio, o sagrado e o profano – o spleen e o ideal. Exercitando essa convivência poética dos contrários, o poeta-flâneur, imerso na multidão, dela extrai os mais fascinantes “quadros parisienses”. Como numa encenação cria personagens que são atores na cidade, e faz da poesia um modo de leitura da história. Palavras-chave: Baudelaire, poesia, cidade, modernidade, spleen/ideal, históriaRésumé: La métropole moderne implique un autre mode de concevoir la poésie, et de cette crise du rôle du poème et du concept même de beauté Baudelaire semble être l’un des plus dignes représentants. Le recueil des Fleurs du mal souligne, depuis son titre, une double direction qui maintient toujours la tension entre le haut et le bas, le beau et le laid, le sacré et le profane – le spleen et l’idéal. Jouant sur cette cohabitation poétique des contraires, le poète-flâneur, immergé dans la foule, est capable d’en extraire les « tableaux parisiens » les plus fascinants. Comme s’il s’agissait d’une mise en scène, il crée des personnages qui deviennent des acteurs dans la ville, en faisant par là de sa poésie un mode de lecture de l’histoire. Mots-clés: Baudelaire, poésie, ville, modernité, spleen/idéal, histoire

2019 ◽  
Vol 58 (2) ◽  
pp. 170-182
Author(s):  
Karen F. Quandt

Baudelaire refers in his first essay on Théophile Gautier (1859) to the ‘fraîcheurs enchanteresses’ and ‘profondeurs fuyantes’ yielded by the medium of watercolour, which invites a reading of his unearthing of a romantic Gautier as a prescription for the ‘watercolouring’ of his own lyric. If Paris's environment was tinted black as a spiking population and industrial zeal made their marks on the metropolis, Baudelaire's washing over of the urban landscape allowed vivid colours to bleed through the ‘fange’. In his early urban poems from Albertus (1832), Gautier's overall tint of an ethereal atmosphere as well as absorption of chaos and din into a lulling, muted harmony establish the balmy ‘mise en scène’ that Baudelaire produces at the outset of the ‘Tableaux parisiens’ (Les Fleurs du mal, 1861). With a reading of Baudelaire's ‘Tableaux parisiens’ as at once a response and departure from Gautier, or a meeting point where nostalgia ironically informs an avant-garde poetics, I show in this paper how Baudelaire's luminescent and fluid traces of color in his urban poems, no matter how washed or pale, vividly resist the inky plumes of the Second Empire.


Author(s):  
Jorge Luiz Machado Junior ◽  
Alejandra Luisa Magalhães Esteves

Le droit et les arts de la scène sont ensemble depuis des siècles. Les tragédies grecques dépeignaient les affaires présentées devant les tribunaux démontrant un lien étroit entre les deux. Au fil des ans, les pièces reflètent souvent les incohérences des décisions judiciaires ou des lois appliquées injustement ou inefficacement. Les arts de la scène sont utilisés pour aider le droit de premier cycle à vivre l’expérience de la profession grâce à la simulation de tribunaux, de moniteurs où il y a un besoin de mise en scène. Cependant, il est souligné que l’intention est de préparer l’élève aux diverses situations que l’élève peut traverser l’exercice de ses activités. Dans ce contexte, les institutions publiques et leurs particularités sont observées. Celles-ci présentent une image usée face aux problèmes auxquels sont actuellement confrontés, tels que la corruption et l’inefficacité managériale qui sont abordées plus en profondeur dans la recherche de solutions possibles à la lenteur de la prestation des services. Enfin, il est à noter qu’il est possible de corréler le théâtre et les institutions publiques pour élucider le rôle de ses acteurs dans la gestion des services fournis. Mots-clés: théâtre, institution publique, lenteur.


2020 ◽  
Vol 17 (2) ◽  
pp. 86-105
Author(s):  
Nicoletta Armentano
Keyword(s):  

S’interroger sur le chœur équivaut à questionner (tâche titanesque !) les fondements du théâtre occidental, voire même son origine. Le faire à partir d’une perspective qui est celle du théâtre contemporain, si d’un côté facilite la charge, de l’autre exige que l’on passe par une resémantisation du terme « chœur ». Au demeurant, comme le témoigne son essor depuis les années 1990, on lui préfère celui de « choralité ». Cela dit, un retour de ce dispositif sur la scène contemporaine reste indéniable : un retour qui questionne ses fonctions originelles, son statut et qui va bien au-delà de l’expression d’une polyphonie homogène ou du partage des croyances d’une communauté ressemblée. Or, réfléchir sur le retour du chœur à l’ère contemporaine implique aussi qu’on le fasse en corrélation avec une autre récupération voire réémergence : celle du tragique, de la tragédie grecque. Une récupération que loin de témoigner d’un goût pour l’archéologie ou pour une représentation abstraite d’un substrat mythique ou universel atteste, plutôt, un besoin de déterrer le souvenir d’une humanité enfouie (Cf. P. Pavis, 2007). En raison de cela, le cas de figure choisi pour mener cette enquête sur le chœur d’origine grecque sera la trilogie Des Femmes mise en scène par Wajdi Mouawad, en 2011. Ce spectacle, aboutissement d’une collaboration entre Mouawad (metteur en scène et acteur), Robert Davreu (traducteur des trois pièces de Sophocle – Les Trachiniennes, Antigone et Electre – dont se compose la trilogie) et Bertrand Cantat (chanteur et « metteur en musique » des chœurs du spectacle) porte en scène le souffle épique (et à ne pas négliger, autobiographique) auquel le dramaturge a désormais habitué son public, mais avec un militantisme et un engagement nouveau et/ou renouvelé envers les formes de l’écriture classique, dont l’attention portée au chœur est emblématique. Mots clés : chœur – tragédie - théâtre contemporain – concert/performance - rédemption


Author(s):  
Fernando Lobo Lemes

Dans cet article nous proposons d´analiser les mecanismes utilisés pour les élites politiques de Vila Boaqui ont comme but élargir leurs pouvoirs à l'intérieur de laville. Envisageant cet objectif, la stratégie mise en scène pour les officiers municipaux considère sourtout les mécanismes de pression sur les économies des autres noyaux urbains, éparpillés sur le territoire du Goias pendant le XVIIIe siècle. Autour de cette configuration, il est indispensable élargir notre champ d’observation afin de comprendre les événements et les relations tissées dans le champ politique du Goiás. En fait, un vrai réseau urbain s'ouvrait avec toutes les possibilités virtuelles de domination économique, s'ajoutant aux autres activités qui agissaient en tant qu’éléments attractifs pour les groupes politiques locaux...Mots-Clés: Élites Politiques; Réseau Urbain du Goiás; Portugais de l’Amérique.


Author(s):  
Gustavo Coura Guimarães

Cet article interroge la façon dont le cinéma représente à l’écran la frontière qui existe entre le monde imaginaire des personnages et celui qu’on appelle « monde réel ». Afin de vérifier la figuration à l’écran de cette relation parfois contradictoire, voir complémentaire, on fera une brève étude du film l’Etat des Choses (1982), de Wim Wenders. Le cinéaste est né en Allemagne, en 1945. Initialement, Wenders a étudié médicine et philosophie pendant deux ans, mais, en 1967, il a changé d’avis afin de poursuivre ses études dans l’audiovisuel. A partir de là, le réalisateur s’est fait connaître comme un des représentants les plus célèbres du « nouveau cinéma allemand ». En 1978, il a été invité par Francis Ford Coppola pour participer au tournage du film Hammett. Ainsi, son cinéma a été toujours marqué par cette intersection culturelle entre l’Amérique et l’Europe. Notre objectif, dans cet article, est celui de mette en évidence les croisements du cinéma avec l’art, la relation des sujets avec l’espace, ainsi que les influences d’un sur l’autre dans les représentations cinématographiques. Notre référentiel théorique sera fondé, surtout, sur les notions de « fiction » et de « documentaire » chez François Niney. Nous espérons, à partir de cette réflexion, pouvoir comprendre plus en profondeur la façon dont Wenders travaille dans son film la métaphorisation de la lumière dans les mises en scènes, en proposant, en quelque sorte, un dialogue entre les concepts de « clarté » et d’« ombre », en ayant comme arrière-plan l’idée de fiction. Mots-clés: Fiction ; Personnages ; Réalité ; Représentation ; Wim Wenders ; L’État des Choses.This article shows the way that the cinema represents on the screen the boundaries between the imaginary world of the characters and the one that we used to call “real world”. In order to verify the representation on the screen of this contradictory relationship, sometimes complementary, we will do a brief study of the movie The State of Things (1982), of Wim Wenders. Our intention is to put in evidence the crossings of the cinema with the art, the people and the space, and their mutual influences as well. Our theoretical references will be mainly based on François Niney’s notion of “fiction” and “documentary”. We hope, from this reflection, to be able to understand more deeply the way that Wenders works in this movie the metaphors of light on the character’s “mise en scène”, proposing, somehow, a dialogue between the concepts of “clarity” and “shadow”, having as background the idea of fiction. Keywords: Fiction; Characters; Reality; Representation; Wim Wenders; L’État des Choses.Este articulo investiga la manera quel cine representa en la grand pantalla la frontera que existe entre el mundo imaginario de los personages y este que nosotros llamamos “el mundo real”. Afin de verificar la figuratión de esta relación a veces contradictoria, a veces complementaria, nosotros haremos un breve estudio de la pelicula “El Estado de las Cosas” (1982), de Wim Wenders. El cineasta nació en Alemania en 1945. Inicialmente, Wenders estudió medicina y filosofía durante dos años, pero en 1967 cambió de opinión para continuar sus estudios en audiovisual. A partir de ahí, el director se hizo conocido como uno de los representantes más famosos del "Nuevo Cine Alemán". En 1978, fue invitado por Francis Ford Coppola para participar en el rodaje de Hammett. De esta manera, su cine siempre ha estado marcado por esta intersección cultural entre América y Europa. Nuestro objetivo, en este estudio, es de poner en evidencia les intersecciones del cine con el arte, los sujetos y el espacio, asi que las influencias del uno sobre el otro en las representationes cinematográficas. Nuestro marco teórico se basa sobre todo en los conceptos de “ficción” y “documental” de François Niney. Esperamos que, a partir de esta reflexión, podamos comprender más profundamente cómo Wenders trabaja, en su película, la metáfora de la luz en la “mise en scène” des personajes, proponiendo, en cierto sentido, un diálogo entre los conceptos de “claridad” y de “sombra”, tomando como telón de fondo la idea de ficción. Palabras clabe: Ficción; Personajes; Realidad; Representación; Wim Wenders; El estado de las cosas.  


2020 ◽  
Vol 2 (5) ◽  
pp. 6-20
Author(s):  
Mojgan Mahdavi Zadeh

Résumé Des traces de diverses cérémonies plutôt rituelles datant de l'Antiquité  prouvent la fertilité de l'histoire du théâtre persan. Il y a eu même à cette époque des échanges culturels entre l'Orient et l'Occident. Au cours des siècles, les rites traditionnels ont cédé la place à des genres de théâtre populaire tels les farces, les comédies, les marionnettes, les imitations mimétiques, …etc. Puis, des conteurs se sont mis à réaliser les récits à épisodes basés sur des histoires épiques, de divers romans picaresques, des lamentations pour les Imams martyrisés, sur des places publiques ou dans des maisons de thé. Ce n'est qu'au XIXe siècle que le théâtre moderne d'inspiration occidentale a été créé par les témoignages des étudiants envoyés en Europe pour se spécialiser en diverses technologies occidentales. En 1886, une première salle de théâtre a été construite à l'École Polytechnique de Téhéran (Dâr Ol- Fonûn), où la traduction du Misanthrope de Molière, y a été mise en scène en 1889. Sous le règne des Pahlavis, fut créé un théâtre nationaliste, se référant au passé préislamique de l'Iran. Puis, vu que les iraniens diplômés en études théâtrales et cinématographiques des universités, des grandes écoles et des conservatoires européennes se sont mis à traduire les pièces de théâtre étrangères, les pièces ont pris un air socio-politique. Sous la Révolution islamique, le théâtre a vécu plusieurs périodes de détente et de tension. Et enfin, depuis 1997, une autorisation de la mise en scène des pièces de théâtre a été émise de nouveau. Ali Raffi, iranien contemporain, dont la dernière réalisation théâtrale à Téhéran date du mois de Janvier 2019, a su exposer l'essentiel de sa conception esthétique par le mépris total des conventions scéniques mises en pratique en Iran. L'esthétique de ses pièces a suscité des discussions sans nombre. Il a toujours privilégié la couleur, le mouvement et l'intuition. Il a eu une influence considérable sur la mentalité du peuple iranien par la mise en scène des pièces de théâtre françaises ou européennes traduites vers le français. Notre problématique consiste à mettre en évidence les échanges interculturels qui se sont effectués entre l'Iran et la France grâce à la mise en scène des pièces de théâtre européennes en Iran et de voir l'innovation créative et le rôle d'Ali Raffi dans l'enrichissement de ces transferts culturels et artistiques. Notre but est de mettre en relief la circulation des savoirs, issue de la mise en scène des pièces de théâtre françaises par les réalisateurs iraniens, en particulier par Ali Raffi en Iran, de démontrer l'omniprésence des grands auteurs dramatiques, tragiques et comiques français dans ce pays, et de dévoiler que les élites intellectuelles iraniennes vivent en symbiose permanente avec ces éminents auteurs français.      Mots clés: Circulation des savoirs France-Iran, Échanges culturels, Mise en scène, Ali Raffi, Pièces de théâtre européennes, Francophonie, Conception esthétique 


Author(s):  
Silvia Berselli

Résumé: Pour la génération d’architectes, tels Ionel Schein, qui se forment à Paris après la guerre, Le Corbusier représente le seul antidote à l’académisme “bozartien”. La filiation corbuséenne se fait d’abord en clandestinité, à travers les livres et les projets, puis avec le contact direct ou par lettre, et représente un bassin inépuisable pour l’éducation permanente des jeunes à l’architecture. Les rencontres et la correspondance, ponctuée de divertissements intellectuels, permettent à Schein d’absorber le lexique corbuséen comme une nouvelle langue maternelle, jusqu’à la formation de son propre vocabulaire d’architecture. A la mort du maître, contré pendant toute sa vie par les institutions, Schein est dégoûté par la suite grotesque d’honneurs posthumes mise en scène : sa fidélité au message de Le Corbusier survit aux apparences et dans ses obituaires sans couronnes de lauriers on trouve le sens profond d’un héritage tant discuté et imposant. Resumen: Para la generación de arquitectos que, como Ionel Schein, se forman en París después de la guerra, Le Corbusier es el único antídoto contra el academicismo de la Escuela de Bellas Artes. La filiación corbuseana se hace primero clandestinamente, a través de los libros y de los proyectos, y en seguida con el contacto directo o por carta, y representa una reserva inagotable por la educación de los jóvenes a la arquitectura. Las reuniones y la correspondencia, punteada de entretenimientos intelectuales, permiten a Schein de absorber el léxico corbuseano como una nueva lengua materna, hasta la formación de su propio vocabulario arquitectónico. A la muerte del maestro, Schein crítica duramente la serie grotesca de honores póstumos enscenada por las instituciones que lo obstaculizaron por toda su vida. Su fidelidad al mensaje de Le Corbusier sobrevive a las apariencias y en sus obituarios sin coronas de laurel se encuentra el significado más profundo de un legado tan discutido e imponente.  Mots clés: Ionel Schein; Claude Parent; Atelier 35 rue de Sèvres; Scuola CIAM Venezia 1952; CIAM IX 1953; correspondance.Palabras clave: Ionel Schein; Claude Parent; Atelier 35 rue de Sèvres; Escuela CIAM Venecia 1952; CIAM IX 1953; correspondencia. DOI: http://dx.doi.org/10.4995/LC2015.2015.1042


Author(s):  
Simon-Decap Mabakutuvangilanga-Ntela ◽  
Daniel Ishoso Katwashi ◽  
Mathieu Ahouah ◽  
Félicien Tshimungu Kandolo ◽  
Monique Rothan Tondeur ◽  
...  

Introduction :L’utilisation des arts comme méthode de changement des comportements dans les soins est d’actualité. Cette revue systématique de la littérature vise à comprendre les effets des interventions théâtrales sur le changement de comportement en matière de santé.Méthode :La stratégie de recherche consistait à répertorier les articles traitant des interventions théâtrales dans le cadre de maladies chroniques dans sept bases de données bibliographiques (Medline, Cochrane, Cairn, Eric, Isidore, Base santé Psy et CINAHL) à partir de la combinaison de mots clés. La qualité des articles inclus a été évaluée à travers la double expertise, et une autoévaluation de la revue systématique a été réalisée en respectant les principes décrits dans la grille AMSTAR 2.Résultats :619 articles ont été identifiés sur l’ensemble des bases de données, parmi lesquels, 23 ont été retenus. Il s’agissait des études interventionnelles publiées en anglais entre 1988 et 2017 sur les maladies chroniques. Les résultats qualitatifs révèlent que l’utilisation du théâtre génère des effets positifs sur l’amélioration : des connaissances, des compétences, de l’interaction soignant-patient-famille, du rappel de souvenirs, de la prise de conscience de soi, de la qualité de vie et des déficits sociaux.Conclusion :Le théâtre reste une stratégie prometteuse dans le cadre de l’éducation thérapeutique des patients et peut être encouragée afin de favoriser le changement de comportement.


2020 ◽  
Vol 9 (1) ◽  
pp. 26-45
Author(s):  
Sarah J. Adams

Despite their peripheral position in the Atlantic slave trade, authors of the late eighteenth-century German states composed a number of dramas that addressed imperialism and slavery. As Sigrid G. Köhler has argued (2018), these authors aimed to exert political leverage by grounding their plays in the international abolitionist debate. This article explores how a body of intellectual texts resonated in August von Kotzebue's bourgeois melodrama Die Negersklaven (1796). In a sentimental preface, he mentions diverse philosophical, historical and political sources that contributed to the dramatic plot and guaranteed his veracity. Looking specifically at the famous Histoire des deux Indes (1770) by Denis Diderot and Guillaume-Thomas F. Raynal, I will examine the ways in which Kotzebue adapted highbrow abolitionist discourses to the stage in order to convery an anti-slavery ideology to the white European middle classes. Kotzebue seems to ground abolitionism in the bourgeois realm by moulding political texts into specific generic templates such as an elaborate mise-en-scène, the separation and reunion of lost lovers, a fraternal conflict, and the representation of suffering victims and a compassionate white hero.


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