Turismo na Serenissima entre ficção e realidade: de Morte em Veneza, de Luchino Visconti, à pós-pandemia

RESUMO: Ao longo de sua história, Veneza vem atraindo um número considerável de turistas. Incrustrados em tão singular cenário geográfico, seus canais, gôndolas, pontes, campi, tesouros arquitetônicos e artísticos constituem um legado singular e, consequentemente, uma oferta turística inigualável, que tem seduzido o imaginário de turistas potencias das mais distintas procedências. O presente estudo objetivou analisar como a atividade turística em Veneza tem evoluído e de que modo vem sendo ilustrada nas artes, sobretudo, no cinema, na música e nas artes visuais. Nesse sentido, formou-se um corpus de estudo composto por filmes e videoclipes italianos e estrangeiros, além de obras de artes visuais, com a finalidade de confrontá-los com as etapas do turismo no percurso do tempo. Trata-se, portanto, de um estudo qualitativo, descritivo e comparativo. A metodologia constou de pesquisa bibliográfica em fontes secundárias, de forma a traçar a evolução do turismo em Veneza, seguida pela composição do referido corpus de estudo, análise das obras selecionadas para este corpus e, por fim, comparação entre ficção e realidade.Palavras-chave: Veneza. Turismo. Ficção x realidade. Filmes e videoclipes. Artes visuais. ABSTRACT: Nel corso della sua storia, Venezia ha atratto un numero considerevole di turisti. Incastonati in uno scenario unico, i suoi canalli, gondole, ponti, campi, tesori architettonici e artistici costituiscono un patrimonio singolare e di consegenza un’offerta turistica impareggiabile che da sempre ha popolato l’immaginario di potenziali turisti delle più svariate origini. Il presente studio si è proposto ad analizzare come si è evoluta l’attività turistica a Venezia e come à stata illustrata nel campo delle arti, in particolare nel cinema, nella musica e nelle arti visive. Si è dunque formato un corpus di studio, composto da film e da videoclip italiani e stranieri, oltre ad opere di arti visive, per confrontarli con le tappe dello svilupo del turismo nel tempo. Si tratta quindi di uno atudio qualitativo, descrittivo e comparativo. La metodologia è costituita da una ricerca bibliografica su fonti secondarie, al fine di tracciare l’evoluzione del turismo a Venezia, seguita dalla composizione di un corpus di studio, dall’analisi delle opere selezionate per questo corpus ed infine dal confronto tra finzione e realtà.Parole-chiave: Venezia. Turismo. Finzione x realtà. Film e videoclipe. Arti visive. ABSTRACT: Throughout its history, Venice has attracted a considerable number of tourists. Embedded in such a singular geographic setting, its canals, gondolas, campi, architectural and artistic treasures constitute a unique legacy and, consequently, an unparalleled tourist offer that has seduced the imagination of potential tourists from the most diverse origins. The present study aimed to analyze how the tourist activity in Venice has evolved and how it has been illustrated in the arts, especially in cinema, music and visual arts. In this sense, a corpus was formed, composed of Italian and foreign films and video clips, in addition to visual arts works, in order to confront them with the stages of tourism in the course of time. It is, therefore, a qualitative, descriptive and comparative study. The methodology consisted of bibliographic research in secondary sources, in order to trace the evolution of tourism in Venice, followed by the composition of a study corpus, analysis of the works selected for this corpus and, finally, comparison between fiction and reality.Keywords: Venice. Tourism. Fiction x reality. Films and video clips. Visual arts.

History trapped into eternity: Kinesis and stasis in The Leopard

The complex and often paradoxical representation of time and history in Giuseppe Tomasi di Lampedusa’s The Leopard has its roots in an existential vision which is charged with different meanings and shadowed by a dark pessimism. In order to convey his peculiar perspective, Lampedusa uses specific narrative techniques, transforming earthly elements into eternal symbols. In turn, Luchino Visconti, in his movie adaptation of the novel, translates these multi-layered symbols into visual representations, emphasising some of them more than others, and giving even more substance to the material as a vehicle of complex, theoretical reflections. The analysis of the emblematic role of landscape, interiors, objects and animals in The Leopard, both in the written approach and the visual re-interpretation, offers new insights into a novel and a movie which have always divided critics, who have alternatively considered them a celebration of immobilism or a faithful historical depiction.

Roteiro coletivo: a ideia do cinema neorrealista

Fascism had brought hunger and destruction to Italy. Italian film makers gathered to reconstruct cinema pursuing another ideal. Neorealist films had as their main aspect the fact of being social, not only in the theme but also in their way of production. The movement, according to André Bazin, followed formal and aesthetic criteria, features that had been accomplished by film makers since the creation of Cinecittà by Mussolini. However, even during this regime, some artists already resisted the fascist view, a fact that can be observed in films like Ossessione, by Luchino Visconti; I bambini ci guardano, by Vittorio De Sica and Quattro passi tra le nuvole, by Alessandro Blasetti. Inspired by the studies in Centro Sperimentale di Cinematografia, by Umberto Barbaro’s translation of Pudovkin, by foreign literature, besides the collaboration of the French Poetic Realism film directors, a creative dynamic was produced centered in the collective writing of scripts which played an important role in the resistance to fascism in Italian cinema. This study, in particular, analyzes Luchino Visconti’s Ossessione.

A tradução cinematográfica de Il Gattopardo, de Giuseppe Tomasi di Lampedusa

Este trabalho busca traçar uma análise relacionada à tradução cinematográfica do romance Il Gattopardo, de Giuseppe Tomasi di Lampedusa e o filme homônimo dirigido por Luchino Visconti, tomando como base o narrador, o espaço e o tempo. Esses elementos narratológicos são importantes na articulação e no desenvolvimento do material narrativo tanto no cinema quanto na literatura. Entretanto, são percebidos de modo diferente nas referidas obras. Romance e filme retratam as reflexões do protagonista diante da unificação italiana e dos seus desdobramentos, como a substituição de classes sociais, a saber, o declínio da aristocracia e a ascensão da burguesia. Apesar de se aproximar da obra de partida ao reproduzir as situações, os diálogos e o ambiente em que as cenas se verificam, Visconti apresenta uma outra leitura da obra na conclusão, ao dar enfoque maior a um capítulo do livro e ao excluir outros do filme. Esse tipo de tradução é, assim, uma intervenção, em que se evidencia determinado tipo de interpretação através de uma releitura do texto literário.

Noches blancas: un discurso poético

ste trabajo analiza la relación entre poesía y cine, investigando dentro de la más amplia tradición de relaciones entre palabra e imagen y, más concretamente, en el concepto de adaptación. De hecho, en la trasposición de una novela a la pantalla el cine se ha centrado casi siempre en los aspectos narrativos. Sin embargo, en este artículo queremos demostrar la existencia de un cine que destaca por no conectar directamente con la narratividad, sino con un diferente nivel artístico menos convencional. Partimos, pues, de un cine que llamamos poético, no necesariamente enlazado con la época de las vanguardias, sino que ha de buscarse también en la obra de algunos directores del cine moderno. Nos centraremos en la obra del director italiano Luchino Visconti, y, en concreto, en la película Noches blancas, que manifiesta en su estructura y en su forma un lenguaje diferente que podemos calificar como poético. A lo largo de las siguientes páginas iremos definiendo el concepto de poeticidad a partir del análisis de esta obra fílmica.

Reflexões sobre a morte em Il Gattopardo, de Lampedusa e de Visconti

Resumo: Este estudo busca discorrer sobre a morte e o declínio de uma época, no romance Il Gattopardo, de Giuseppe Tomasi di Lampedusa, e no filme homônimo, produzido por Luchino Visconti, observando o aspecto espacial que evidencia e caracteriza essa temática. A história é ambientada no sul da Itália, na segunda metade do século XIX, e narra a história de uma família aristocrata que assiste às transformações sociais, políticas e históricas com a unificação do estado italiano.Palavras-chave: Literatura italiana. Tradução cinematográfica. Giuseppe Tommasi di Lampedusa. Luchino Visconti.

Experiencia perceptiva y falsos planos subjetivos en El eclipse (Michelangelo Antonioni, 1962) y Muerte en Venecia (Luchino Visconti, 1971)

Los planos subjetivos son un recurso poderoso cuando aparecen en su estructura canónica, pero también presentan un gran potencial estético cuando esta se altera para romper las expectativas del espectador. Por ejemplo, en los casos de “falso plano subjetivo” en los que el espectador se enfrenta a la necesidad de reevaluar la condición subjetiva del plano que observa al aparecer en el mismo el personaje con el que creía estar compartiendo la mirada. Todos los falsos planos subjetivos producen experiencias que comparten ciertas cualidades fenomenológicas por el modo en que actúan sobre las expectativas y la percepción del espectador. Este artículo reflexiona en torno a cuatro de estos efectos, describiendo su alcance general y profundizando en sus posibilidades expresivas a partir del análisis de sendas escenas de El eclipse (Michelangelo Antonioni, 1962) y Muerte en Venecia (Luchino Visconti, 1971).

The Reality of Art

Chapter 8 is a study of Ossessione (Luchino Visconti, 1943), a film universally recognised as a masterpiece and foundational work of Italian neorealism, which has inspired new realist film currents and independent productions around the globe. Accordingly, it has been scrutinised from a variety of angles by successive generations of scholars. Yet, as is the case with any masterpiece of this magnitude, the possibilities of novel approaches to it are inexhaustible. In this chapter, I revisit the crucial topic of realism in Ossessione through a perspective hitherto underexplored in scholarship on the film, namely the contribution of opera and music to its realist endeavour. Under this light, Ossessione changes into an accomplished example of the aspiration to the total artwork.

O cristal em decomposição em Morte em Veneza de Luchino Visconti

The constitution of the crystal image corresponds to the most fundamental operation of time. In order to do so, it is necessary for time to separate, arise or happen, in two decimetric spurts, of which one of them makes pass the whole present and the other conserves all the past. Time consists precisely in this split, it is the one we see in a crystal. Crystal is the perpetual foundation of time. According to the perspective of the French thinker Gilles Deleuze, in Death in Venice, Luchino Visconti gives us to see the crystalline images according to their own decomposition. This is present throughout his work. In this film, we can see this decomposition, for example, through the plague that devastates Venice or even through the revelation that something arrived too late. When the character of the musician sees the young Tadzio, he has the vision of what lacked in his work: sensual beauty. The too late conditions the work of art and conditions its success, for the sensuous and sensual unity of nature with man is the essence of art par excellence, inasmuch as it is of its nature to occur too late!

Luchino Visconti

Luchino Visconti (b. 1906–d. 1976) was one of Italy’s foremost directors of cinema, theater, and opera. A cultural figurehead of the Italian Communist Party (PCI), Visconti was seen as a major cinematic interpreter of the Italian Hegelian-Marxist philosopher Antonio Gramsci. To this political affiliation, one can also attach his upbringing as a Milanese nobleman and background as a gay man that would also influence interpretations of his films. Following a tutelage under French director Jean Renoir on films Une partie de campagne (1936) and Tosca (1940), Visconti inaugurated his own career in cinema with Ossessione (1942), the presumptive first film of Italian neorealism when directors in Italy turned their attention to the plight of the commoner, struggling in the wake of the Fascist dictatorship and the Second World War. Ossessione was followed by neorealist landmarks La terra trema (1948) and Bellissima (1951), and a few years later, the neorealist-inspired Rocco e i suoi fratelli (1960). These films introduced the conflux of realism, formalism, and melodrama for which Visconti’s cinema would be subsequently associated. Such characteristics were also evident in his parallel career on the Italian stage, where Visconti established himself as one of the nation’s pre-eminent directors of prose theater and opera. This activity on stage would contribute to Visconti’s reputation for working across media. In his cinema, structures from and allusions to theater, painting, and literature abound. Twelve of his eighteen films were based on one or more literary works, with Morte a Venezia (1971) celebrated as a groundbreaking chapter in European literary adaptation. His 1967 film, Lo straniero (1967), on the other hand, was panned for its slavish illustration of Camus’s book. To these and other literary-inspired works, Visconti added a few documentaries and numerous films set in contemporary Italy (episodes of Anna Magnani [1953] and Il lavoro [1961]; Le notti bianche [1957]; Vaghe stelle dell’Orsa [1965]) together with some of the largest-scale historical films in postwar European cinema. Senso (1954) and Il Gattopardo (1963) instantiate historiographically-rich analyses of Italian independence in the late 19th century. The biopic Ludwig (1974) is set in Bavaria during the same period, while La caduta degli dei (1969) pictures the rise of Nazism in Germany of the 1930s. During the filming of Ludwig, Visconti suffered a stroke that would cast a pall over Gruppo di famiglia in un interno (1974) and the posthumous L’Innocente (1976), an ornate tragedy based on a novel by Gabriele D’Annunzio.