Finds in the Library of the St. Petersburg Conservatory (To the 185th Anniversary of Mily A. Balakirev)

В статье рассмотрены выявленные в Научной музыкальной библиотеке Санкт-Петербургской государственной консерватории имени Н. А. РимскогоКорсакова партитуры симфонических произведений Милия Алексеевича Балакирева, входившие в состав его личного собрания. Таковы поэма «В Чехии», Увертюра на тему испанского марша, где особый интерес представляют пометы автора, проанализированные в статье. Их изучение вносит вклад в подготовку полного собрания сочинений Балакирева. Наряду с этими раритетами были подвергнуты описанию прижизненные издания балакиревской Симфонии C-dur, поэмы «Тамара» с маргиналиями выдающихся музыкантов — современников композитора: Э. Ф. Направника, А. К. Глазунова. Эти четыре партитуры, две из которых входили в балакиревскую библиотеку, — бесценный материал к темам, раскрывающим проблемы интерпретации симфонической музыки мастера, истории ее жизни на концертной эстраде. The article presents the scores of Balakirev’s symphonic works identified in the library of the Saint Petersburg Rimsky-Korsakov State Conservatory, which were part of his personal library. These are the poem In the Czechia and an Overture on the theme of the Spanish march with the author’s notes being on a special interest and analyzed in the article. This study becomes a good investment in the preparation of the complete works of Balakirev. Along with these rarities, the article also describes life editions of the Balakirev’s Symphony in C-dur, the poem Tamara with marginalia of outstanding musicians — contemporaries of the composer: Eduard F. Napravnik, Alexander K. Glazunov. This is an invaluable material for topics that reveal the problems of interpretation of the master’s symphonic music, the history of its life on the concert stage.

Beware, Madness!

Рецензируемая книга Александра Михайловича Терехина «Сумасшествия в музыкальном театре: опера, балет», изданная в 2020 году, уникальна во многих отношениях. Во-первых, интерес вызывает личность самого автора. Профессиональная и творческая деятельность Терехина связана с медициной и музыкой. Врач-психиатр с сорокалетним стажем, Терехин более четверти века работал в Мариинском театре в качестве артиста миманса. Во-вторых, тема сумасшествия (безумия) еще не становилась самостоятельным предметом изучения в российских музыковедческих исследованиях. В-третьих, оригинальность книги составляют медицинские заключения. В центре внимания врача — тексты оперных и балетных либретто, на основе которых автор раскрывает причины помешательства и ставит различные диагнозы персонажам музыкального театра. Рассматривая конкретные клинические случаи, Терехин прибегает к профессиональным медицинским терминам. Среди диагнозов отметим такие, как реактивный параноид у Лючии («Лючия ди Ламмермур» Г. Доницетти), шизофрения у Мельника («Русалка» А. С. Даргомыжского, интоксикационный (гашишный) психоз у Солора («Баядерка» Л. Минкуса). Книга А. М. Терехина, не претендуя на всеохватность освещения темы сумасшествия (безумия), открывает музыковедам новые грани междисциплинарного подхода в изучении оперного и балетного репертуара. Alexander Mikhailovich Terekhin’s peer-reviewed book Madness in Musical Theater: Opera, Ballet, published in 2020, is unique in many ways. Firstly, the author’s personality is of interest. Terekhin’s professional and creative activity is connected with medicine and music. A psychiatrist with forty years of experience, Terekhin worked for more than a quarter of a century at the Mariinsky Theater as a mimance artist. Secondly, the theme of madness (insanity) has not yet become an independent subject of study in Russian musicological studies. Thirdly, the originality of the book is based on medical reports. The doctor focuses on the texts of opera and ballet librettos, on the basis of which the author reveals the causes of insanity and makes various diagnoses to the characters of the musical theater. Considering a specific clinical case, Terekhin resorts to professional medical terms. Among some diagnoses we can mention: reactive paranoid in Lucia (Lucia di Lammermoor by Donizetti), schizophrenia in Melnik (Rusalka by Dargomyzhsky, intoxicational (hashish) psychosis in Solor (La Bayadere by Minkus). Without claiming to cover the topic of insanity (insanity) comprehensively the book by Terekhin, opens up new facets of the interdisciplinary approach in studying opera and ballet repertoire to musicologists.

Forbidden Weinberg: Cantata “Pyotr Plaksin”. The Experience of First Interpretation

Творчество Моисея (Мечислава) Самуиловича Вайнберга (1919–1996) переживает в последнее десятилетие настоящий ренессанс. Театральные постановки, фестивали, концерты на лучших сценах России, Европы и Америки, выпуск новых компакт-дисков на крупнейших звукозаписывающих лейблах, переиздание многих партитур — всё это, казалось бы, исчерпало возможности открытий в обширном наследии художника. Между тем, при содействии родных композитора, по инициативе Международной Творческой мастерской «Terra Musica» один из лучших отечественных коллективов — Камерная капелла «Русская Консерватория» под руководством дирижера Николая Хондзинского — осуществила мировые премьеры партитур, которые по разным обстоятельствам многие десятилетия находились под спудом. Речь идет о двух кантатах, созданных в 1966 году: «Петр Плаксин» по одноименной поэме Юлиана Тувима и «Хиросимские пятистишия» на стихи Мутэноси Фукагава. Статья отражает историю создания, опыт исследования и подготовки первого исполнения (студийной записи) кантаты «Петр Плаксин», воплощающей выдающееся мастерство Вайнберга и при этом неизвестной даже узкому кругу специалистов, изучающих отечественную музыку второй половины ХХ столетия. Образная палитра и тембровая поэтика кантаты — поэтические аспекты, рассмотрев которые, можно более объемно осмыслить важные свойства авторского стиля, а также резонанс художественных открытий Вайнберга в современном музыкальном пространстве. In the last decade, the music of Moisey (Mieczysław) Samuilovich Weinberg (1919–1996) has been experiencing a real Renaissance. Theatre productions, festivals, concerts at the best Russian, European and American concert halls, new CDs recorded by the leading recording labels, issuing new editions of many scores — all this seems to have exhausted the possibilities of discoveries in the vast heritage of the artist. However, on the initiative of the International Art Workshop “Terra musica” and with the assistance of Weinberg’s relatives one of the best Russian ensembles, “Russian Conservatory”, conducted by Nikolay Khondzinsky, performed world premieres of the scores that, for various reasons, had been under a bushel for many decades. It is about his two year cantatas created in 1966 — Pyotr Plaksin on the words of Julian Tuwim and Hiroshima Five-line Stanzas on poems by Mutenosi Fukagava. The article reflects the history of the composition, research and rehearsal experience that preceded the first performance (recording) of cantata Pyotr Plaksin, which embodies an outstanding mastery of Weinberg and still remains unknown even in the narrow circle of researchers of the Russian music of the second half of the XX century. Figurative palette and timbral poetics of the cantata are those aspects of examination, due to which one can distinctively comprehend the main features of composer's style and resonance of Weinberg’s discoveries in the modern musical environment.

Domra and Chamber Orchestra in Concertos by Igor Rogalyov and Andrey Tikhomirov. An Alliance with a “Stranger”?

Статья посвящена сочинениям известных петербургских композиторов — Концерту «Доменико Скарлатти» для четырехструнной домры (мандолины) и камерного оркестра Игоря Ефимовича Рогалёва и Концерту для домры и камерно-симфонического оркестра Андрея Генриховича Тихомирова. Эти произведения представляют примеры взаимодействия сфер народно-инструментального исполнительства и академического музыкального искусства. Ранее данная проблема не рассматривалась в отечественном музыкознании. Появление в последней четверти XX века сочинений, в которых домра выступает в качестве солиста с симфоническим оркестром, в значительной мере способствовало расширению ее выразительных возможностей, а также становлению и развитию нового направления в домровом репертуаре. Основными позициями сравнительного анализа концертов И. Е. Рогалёва и А. Г. Тихомирова стали трактовка роли солирующей домры, различия в композиции и драматургии названных сочинений. Отдельное внимание уделяется вопросам исполнительской интерпретации. Автором статьи приведены нотные примеры, иллюстрирующие наиболее важные с его точки зрения идеи и положения. The article is devoted to the works of famous St. Petersburg composers — Concerto Domenico Scarlatti for four-string domra (mandolin) and chamber orchestra by Igor Ye. Rogalyov and Concerto for domra and chamber symphony orchestra by Andrey G. Tikhomirov. These works are examples of interaction of the spheres of folk-instrumental performance and academic musical art. Previously, this problem was not considered in Russian musicology. In the last quarter of the 20th century, compositions appeared, where domra acts as a soloist with a symphony orchestra, which to a large extent contributed to expansion of its expressive capabilities, as well as formation and development of a new direction in the domra repertoire. The main positions of the comparative analysis of the Rogalyov’s and Tikhomirov’s concertos were: interpretation of the solo domra’s role, differences in the composition and dramaturgy of the above works. Special attention is paid to the issues of performing interpretation. The author of the article proposes musical examples illustrating the most important ideas and provisions from her point of view.

The Liturgical Singing Tradition of the Old Believers Priests of the Village of Koida (Based on the Materials of the Pushkin House Expedition in 1975 and 1976)

В 1975 и 1976 годах состоялись фольклорные экспедиции Института русской литературы в с.Койда Мезенского р-на Архангельской области, в ходе которых были записаны разнообразные в стилевом и историческом отношении духовные стихи, а также богослужебные песнопения. До настоящего времени коллекция звукозаписей, хранящаяся в Фонограммархиве ИРЛИ, не становилась предметом специального изучения. В ходе исследования удалось атрибутировать гимнографические тексты, выделить особенности распевов и духовных стихов, выявить их источники, частично реконструировать условия звукозаписи. На основе материалов более поздних фольклорно-археографических экспедиций ИРЛИ были восстановлены сведения о жизни старообрядческой общины, которая принадлежала к белокриницкому согласию. Коллекция богослужебных песнопений в музыкальном отношении разнообразна: она содержит пение «по напевке», «на глас», распевы письменной традиции, памятогласие. Внебогослужебная лирика представлена популярными духовными стихами позднего происхождения, за исключением эсхатологических стихов, распевы которых опираются на богослужебную традицию гласового пения. In 1975 and 1976, the Institute of Russian Literature (the Pushkin House) arranged expeditions to the village of Koida, Mezensky District, Arkhangelsk Region, during which spiritual verses and liturgical chants diverse in style and history were recorded. Until now, the collection of sound recordings (32 items) stored in the Phonogram Archive has not been a subject of special study. In the course of the research, it has become possible to attribute hymnographic texts, to highlight specifics of the chants and spiritual verses, to identify their sources, and partially reconstruct conditions of the sound recording. The materials of later folklore and archaeographic expeditions, provided the following information: facts about the life of the Old Believer’s community that belonged to the Belokrinitsky concord, the names of mentors, forms of mentoring and transmitting the singing tradition. The chants and spiritual verses were recorded from two significant performers — mentors Nadezhda Malygina and Nikandr Malygin. The collection of chants is diverse and contains oral and written versions of chants, mnemonic (pamyatoglasie). Non-liturgical music is represented by popular spiritual poetry of late origin, except for eschatological verses, the melody of which is similar to the chant.

Sound Recording As a Factor of Evolution of the Piano Performing Style in XX Century

Роль звукозаписи как источника и катализатора изменений, произошедших в фортепианном исполнительстве в XX веке, мало исследована в отечественном музыкознании. Цель автора — восполнить данный пробел, раскрыв влияние звукозаписи на развитие фортепианного искусства. В центре внимания — репертуарные предпочтения, возможности и подходы исполнителей; анализ производится в рамках предложенной периодизации звукозаписи (ранней, классической, цифровой). В эпоху ранней звукозаписи трансформация исполнительских средств связана с временны´ м аспектом. Период классической звукозаписи характеризуется стремлением к идеальному исполнению в студии звукозаписи, что обусловлено технологическими открытиями в области обработки звука, становлением типа пианиста-интерпретатора и возникновением типа исполнителя-постмодерниста. Идеалы качества эпохи цифровой записи привели к формированию высоких стандартов концертных исполнений, а развитие компьютерных технологий — к появлению новых исполнительских техник. В статье представлены основные стилевые тенденции, возникшие под влиянием звукозаписи, обозначены основные проблемы современного исполнительства. The role of the sound recording as a source and catalyst of changes that took place in the piano performance in the XX century is researched rather little in the native musicology. The aim of the author is to fill this gap by examining the influence of the sound recording on the piano performing style. In the spotlight there are performing techniques, repertoire preferences and interpretative approaches which are analyzed within the framework of the suggested periodization of the sound recording — early, classical, digital. In the days of early sound recording, transformation of performing techniques is connected with the temporal aspect. The period of classical sound recording is characterized by the desire of an ideal performance in the studio of sound recording, owing to technological discoveries in the area of sound processing, and emergence of such types of musicians as pianist-interpreter and postmodern performer. The ideals of quality of the era of digital recording led to formation of high standards in concert performance, and development of computer technologies created new performing techniques. The article presents the main stylistic trends which appeared under the influence of sound recording, and outlines the main problems of the contemporary performance.

Art of Contemporary Composer Jia Daqun in Context of Chinese Culture

На современном этапе развития китайской профессиональной музыкальной культуры композитору и музыкальному теоретику Цзя Дацюню принадлежит особая роль. В статье рассматриваются его жизненный путь, композиторское творчество и музыкально-теоретические работы. Цель исследования — определить роль композитора в развитии современной китайской академической музыки; создать панораму его творчества; выявить в произведениях специфические формы претворения китайских национальных традиций, сочетающихся с элементами композиторских техник XX–XXI веков. Многие аспекты китайской музыки до сих пор не изучены и представляют исследовательский интерес; в результате получают характеристику яркие черты стиля Цзя Дацюня, как основная идея его творчества выделяется органичный синтез китайской народной музыкальной культуры и европейских универсалий. Цзя следует современным музыкальным тенденциям: он применяет в сочинениях такие композиционные техники, как серийность, сериализм, пуантилизм, минимализм, микрополифония, алеаторика, пространственная музыка, а также активно работает в области музыкального театра. Во всех его музыкальных произведениях присутствуют национальные китайские элементы, которые представлены музыкальными инструментами, народными темами и звукорядом пентатоники, воплощая образы китайской культуры в их неповторимом своеобразии. The article examines life path of a contemporary Chinese composer Jia Daqun and his art as a composer and music theorist. The purpose of research is to determine the role of the composer in the development of modern Chinese musical culture; to create a panorama of his art; to identify the main features of his style; to designate in his compositions specific forms of implementation of Chinese national traditions, combined with characteristic tendencies of musical compositions of the XX–XXI centuries. The scientific novelty of the article lies in fact that many aspects of Chinese music have not yet been studied and are of a research interest. At the present stage of development of the Chinese professional musical culture, special role belongs to the composer and musical theorist Jia Daqun. The research highlights bright features of the composer’s style and the main idea of his art, namely the idea of organic synthesis of Chinese folk and European musical cultures. In his compositions Jia follows modern musical trends, uses such compositional techniques as seriality, serialism, pointillism, minimalism, micropolyphony, aleatorics, spatial music. He also actively works in the field of musical theater. All his musical works contain national Chinese elements, which are represented by musical instruments, folk musical themes and pentatonic scale, and images of Chinese culture.

On Gavriil Popov’s Symphony No. 1 (To the First Publication of the Score)

В статье рассматриваются вопросы, связанные с историей создания, исполнения, запрета и дискуссий вокруг Первой симфонии выдающегося отечественного композитора, выпускника Ленинградской консерватории Гавриила Николаевича Попова (1904–1972). Судьба сочинения оказалась трагической: исполненная лишь однажды, симфония была запрещена. Так произошла одна из первых «публичных казней» музыкального произведения — еще до печально известных публикаций об опере «Леди Макбет» и балете «Светлый ручей» Д. Шостаковича, положивших начало борьбе с «антинародным формалистическим направлением» в музыке. Долгие годы замалчивания привели к тому, что яркое достижение отечественной симфонической школы «выпало» из истории советского искусства. Усилиями музыковедов И. Барсовой, И. Ромащук, Е. Власовой, И. Воробьёва, дирижеров Г. Проваторова и А. Титова Первая симфония Попова была возрождена к жизни. Сейчас готовится к печати первое издание этого незаслуженно забытого произведения. The article discusses issues related to the history of creation, performance, prohibition and discussions which surrounded the First Symphony of the remarkable Russian composer Gavriil Popov. The fate of the composition turned out to be tragic: once performed, the symphony was banned. It was one of the first public “executions” of a musical work — even before the infamous articles of the newspaper Pravda about the opera Lady Macbeth and the ballet Light Stream by Dmitry Shostakovich, which marked the beginning of the struggle against the “anti-national, formalistic trend” in music. Long years of oblivion led to the fact that the Symphony “fell out” of the history of Soviet music. Through the efforts of such musicologists as Inna Barsova, Inna Romashchuk, Yekaterina Vlasova, Igor Vorobyov, conductors Gennady Provatorov and Alexander Titov, Popov’s First Symphony was revitalized. And now the question arises regarding the first publication of this undeservedly forgotten outstanding work of the Soviet music.

Concerto for Orchestra “The Yellow Stars” by Isaac Schwartz: In the Mirror of Ashkenazi’s Musical Culture

В статье предпринят анализ последнего произведения выдающегося петербургского композитора Исаака Шварца (1923–2009) — мемориального опуса памяти жертв Холокоста. Аргументированно доказывается, что ашкеназская культура, в том числе и музыкальная, была органичной частью всей жизни композитора. Об этом свидетельствуют сформировавшийся в детские годы этнослух И. Шварца, огромное количество песен на идиш, которые он мог играть наизусть часами и, безусловно, тематизм инструментального концерта «Желтые звезды», в котором наряду с цитатным материалом выявляются и многочисленные авторские темы, отмеченные знаком еврейской идентичности. В них прослеживаются традиции синагогальной молитвы, клезмерского музицирования, идишской народной песни. Вместе с тем в работе с тематическим материалом, с формой, с оркестровкой обнаруживается прочная связь И. Шварца с ленинградской-петербургской композиторской школой. The article analyzes the last work of the well-known Petersburg composer Isaac Schwartz (1923–2009) which is a memorial opus in memory of the victims of the Holocaust. It is argued that the Ashkenazi musical culture was a natural part of the composer’s entire life. This is evidenced by the ethnic rumor of Schwartz formed in his childhood, a huge number of songs in Yiddish that he could play by heart for hours and, of course, the themes of the instrumental concerto “The Yellow Stars”, which demonstrates, along with quotation material, numerous author’s themes, marked by Jewish identity. They trace the traditions of synagogue prayer, klezmer music, Yiddish folk song. At the same time, the work with thematic material, with form, and with orchestration, reveals Schwartz’s tight relationship with the Leningrad-Petersburg school of composition.

Foreign Productions of Puccini’s Opera “Turandot” of Recent Decades: Chinese Images Return to Their Homeland

В последние годы европейское оперное наследие в Китае постепенно отклонилось от первоначального традиционного направления, став объектом вторичного творчества. Китайские режиссеры и художники решаются воплотить на национальной сцене шедевры европейского искусства, пытаясь, с одной стороны, сохранить верность сложившимся традициям, с другой — адаптировать эти произведения к индивидуальным нормам китайской культуры. Сравнивая осуществленные на рубеже XX–XXI веков версии постановок жемчужины оперного искусства «Турандот» Джакомо Пуччини, мы можем ясно увидеть как европейское «прочтение» китайской культуры в этой опере, так и позитивное влияние интеграции китайской и западной парадигм. В сравнении выявляется лучший вариант исполнения. Китайские постановки, как правило, разделены на две актерские труппы: иностранную (труппа A) и китайскую (труппа B). Принцип уважения оригинального исторического облика оперного сюжета зачастую игнорируется в западных версиях, тогда как в китайских он бережно соблюдается. Визуальный дизайн китайских постановок погружает аудиторию в поток событий, музыкальное выражение потрясает слушателей. С точки зрения эмоционального выражения чувства героев в западных версиях — прямые, открытые и страстные; для Китая же характерны скрытый смысл, завуалированность в сценарии и музыке. Таким образом, западная опера «Турандот» оказывается погруженной в стихию культуры Китая. Along with the progress of the modern era and the efforts of Chinese artists in recent years, European operatic art in China has gradually deviated from the original traditional direction towards the secondary art. Chinese artists decide to present famous works of European art on the national stage, trying, on the one hand, to preserve its traditions, and on the other, to modernize them in accordance with the individual norms of Chinese culture. Comparing the Chinese and Western versions of the pearls of opera—Turandot from the late 1980s to 2000s, we can clearly see both penetration and development of the Chinese culture in this opera and the positive impact of integration of the Chinese and the Western paradigms. Chinese performances are generally divided into two acting troupes: a foreign troup (Troup A) and a Chinese troup (Troup B). In the comparison, the best design is highlighted. The principle of respect for the original historical image of the opera plot is often ignored in Western versions, while in Chinese it is carefully observed. The visual design of the Chinese versions immerses the audience into the sequence of events, the musical expression amazing the audience. In terms of emotional expression, the feelings of the characters in Western versions are direct, open and passionate. China is characterized by a hidden meaning, veiled in the script and music. Thus, the Western opera “Turandot” acquires an inextricable connection with the culture of China, each version having a special historical value in art.