Evolución de los intereses y hábitos de consumo televisivo de la audiencia española

Atendiendo a los datos de consumo, los intereses televisivos de la audiencia española, en lo que a contenidos se refiere, no parecen haber cambiado de forma drástica en los más de setenta años de historia de televisión en España. La televisión – la generalista en abierto y ahora las plataformas OTT – se ve condicionada por los hábitos de consumo de su audiencia pero, al mismo tiempo, es capaz de marcar la propia identidad de los espectadores con los contenidos que produce y ofrece. La programación televisiva ha sabido adaptarse a cada contexto histórico-social, especialmente cuando se produjo la irrupción de las cadenas privadas, con la apuesta por nuevos formatos y géneros televisivos. Para comprobar este escenario, y validar precisamente estos modelos de consumo, se ha realizado una investigación ad hoc estructurada en siete focus groups coincidentes con las franjas de edad del Estudio General de Medios. Los resultados muestran, según las distintas edades, cómo se consume hoy el contenido televisivo, cuáles son las conductas del espectador viendo la televisión y cuáles son los formatos y géneros más demandados.

La influencia de la política sobre las representaciones familiares en los cuentos de Cortázar

En la trayectoria artística de Julio Cortázar se suele establecer una división entre una primera etapa apolítica y el posterior florecimiento de preocupaciones políticas. En cuanto a los cuentos que se desarrollan dentro del marco familiar, a partir de Octaedro (1974) se hacen evidentes las lecturas en clave política de relatos como “Verano”, “Recortes de prensa”, “Pesadilla” y “Satarsa”. La cuestión que emerge y que se abordará a lo largo de este artículo es si es posible llevar a cabo un análisis político en cuentos anteriores en los que la familia ocupa un lugar central. Para ello, se trazará una genealogía mediante la que comprender y contextualizar la manera en que se articula la política en la obra de Cortázar anterior a 1973 a través del examen exhaustivo de “Casa tomada”, “Cartas de mamá” y “La salud de los enfermos”.

Pornografía pop: del espacio interior al espacio enmarcado en "Consumidos" de David Cronenberg

A partir de una serie de reseñas negativas o reticentes publicadas en prensa, el artículo examina Consumidos, la novela de David Cronenberg, desde los siguientes presupuestos teóricos: los conceptos de pop science y de inner space de James G. Ballard y el de imaginación pornográfica de Susan Sontag. El concepto de pop science propone una nueva idea de la ciencia ficción como un género que evalúa las relaciones contemporáneas con la tecnología y la ciencia desde una mirada prospectiva. La imaginación pornográfica se presenta como forma extrema de conciencia abierta a una realidad más profunda. Consumidos no es una novela pornográfica, sino una novela preocupada por la pornografía en su relación con los medios de comunicación de masas. Por eso proponemos el concepto de pornografía pop para clasificarla como novela de ciencia ficción sobre la pornografía. El artículo analiza las consecuencias retóricas y narratológicas de esta adscripción genérica, así como las líneas argumentales y los principales temas propuestos en la obra.

La letra de la canción como objeto de estudio: el caso del tango canción

El estudio de la letra de las canciones no está exento de polémicas. El creciente interés por el análisis de la música popular y la revuelta multidisciplinaria (González 2013) de las últimas décadas redundaron en el cuestionamiento de los abordajes tradicionales, que en general consistían en concentrarse en uno de los tres aspectos principales implicados en el complejo proceso que constituye la canción: el texto verbal, la música, la performance. En la actualidad se promueven los estudios interdisciplinarios, que tengan en cuenta la pluritextualidad inherente a la canción (Frith 2014; González 2001, 2013; M. Romano 1991). Mantener una mirada holística y, al mismo tiempo, penetrante es un desafío para el investigador que estudia la música popular desde cualquier área. Dado este contexto, el propósito de este artículo es esbozar el estatuto genérico de la letra del tango canción. Para ello nos ocuparemos, primero, de la constitución de la canción popular y, particularmente, de sus textos verbales. Luego nos centraremos en la letra de tango; debatiremos ciertos aspectos complejos implicados en su delimitación y la definiremos como un espacio de confluencia de distintas tensiones.

Achilles Redivivus: "Pink Floyd: The Wall" as a Modern-Day "Iliad"

This article elaborates on the structural, thematic and characterological similarities between Alan Parker’s Pink Floyd: The Wall and Homer’s Iliad, reading both works as epics that revolve around the hero’s wrath, its consequences and its resolution. The argument is organised around three central topics: loss as the cause of the heroes’ inaction and suffering inflicted by an inhumane power in the context of the war; law as the foundation of a social order that redresses the balance; love as the binding force of individual and collective harmony. After introducing the central thesis and objectives, the article redresses the balance concerning Achilles status as the example of virile might by highlighting its more human and humane dimension, the truly dominant theme of the Iliad an which comes closer to modern sensibility. Both the Iliad and Pink Floyd: The Wall feature two heroic figures that embark on a journey of self-discovery that not only entails the transformation of their subjective position inside society, but also the articulation of a set of values alternative to those that operate in their respective social formations. In developing this in the remaining sections, the article does not lose sight of the specificities of the different historical periods in which both narratives are embedded and respond to. The research carried out here takes Homer’s text more as a point of comparative reference for the film than as the object of creative reception.

The Tenant of Wildfell Hall: El künstlerroman femenino como modelo didáctico en la literatura inglesa

Este artículo se centra en el análisis de la novela de Anne Brönte The Tenant of Wildfell Hall (1848) considerando el fin didáctico propuesto por la autora y tomando como referencia uno de los principales modelos literarios del siglo XIX: el künstlerroman o novela del artista. Se propone aquí una puesta en valor de la menos reconocida de las hermanas Brönte, siguiendo la línea argumentativa de relevantes estudios sobre el tema, como Hirsh y Langland (1983), Losano (2003) o Ellis (2017). Si bien la novela de desarrollo tradicional es esencialmente masculina, en el que el artista se recluye en su “torre de marfil”, este no es el caso en esta obra, en la que la heroína artista decimonónica ha de debatirse entre su rol femenino y su pasión artística. Es más, Anne Brönte articula la lucha interna de la protagonista como modelo sutilmente transgresor de la encorsetada sociedad decimonónica. Para profundizar en el modelo de conducta transgresor ejemplificado en la figura de Helen, la protagonista de la obra, se realizará en primer lugar una breve contextualización de los géneros narrativos en los que se enmarca: el bildungsroman y el künstlerroman. A continuación, se analizarán tanto la estructura de la obra como los pasajes más determinantes que inciden en la representación de la mujer como artista para, finalmente, validar la tesis inicial.

Cultural Practices as Forms of Resilience and Agency in Tracy Chevalier’s "A Single Thread"

This article discusses Tracy Chevalier’s A Single Thread (2019), with an emphasis on the parallels between the writer’s interest in women’s resilient experiences, which lead to individual and community agency, and the role played in these by cultural practices such as embroidery and bell-ringing. Chevalier’s focus is on the interwar period and its closeness to totalitarianism. Based on aspects from the theory of resilience (Cyrulnik 2006; Herman 1992; Vanistendael 2003), this article explores how the uses and meanings associated with cultural practices can turn them into resources for modulating grief and mobilising such resilience and agency in women’s lives, both from an individual and a social perspective. This article also considers that an understanding of Chevalier’s oeuvre can be of help in shaping future scholarly research on this writer.

Recent Contributions to the Irish Novel by Sara Baume, Anna Burns and Eleanor O’Reilly: On Language, Words and Wordlessness

The purpose of this contribution is to study three young writers who have offered, in the past three years, in a distinctively new voice, further instances of the Irish writers’ endless ability to experiment with the form of the novel. Sara Baume’s "A Line Made by Walking" (2017), Anna Burns’s "Milkman" (2018), and Eleanor O’Reilly’s "m for mammy" (2019) are three representative instances of the potential of the form of the novel in the hands of Irish women writers. Each of these novels deserve a study in its own due to their complexity and interest, but analysing them together offers us a unique opportunity to assess the thriving state of novel writing in Ireland, especially in the hands of Irish women writers.The three novels object of our study deal with identity crises, and they similarly represent their protagonists as struggling against society and its structures, be it the family, local communities, the world of art, nature or politics. Furthermore, the three authors have been able to devise alternative narrative styles, techniques and even endings that enabled them to render the complexities of the topics dealt with as well as to represent the unstable condition of their protagonists. In addition, Baume, Burns and O’Reilly have significantly chosen as protagonists female characters with artistic or intellectual aspirations who allow the authors to endow their respective narratives with metaliterary meditations on the possibilities as well as limits of language, words and wordlessness.

In Spite of Dungeon, Fire, and Sword: Peadar Ó Gealacáin and the survival of the Gaelic Irish Literary Tradition

As we advance through the 19th century in Ireland, the Irish Gaelic Literary tradition, one of the oldest in Western Europe, found itself in danger of extinction. The failure of the Irish language to find foothold in the towns and cities, and the subsequent failure of the language’s literary movement to transition itself into the printed mode, left the literature and poetry locked within the oral and manuscript traditions. With the ethnic cleansing of Ireland by Westminster well under way, first through forced emigration and then through famine, a small group of scribes set themselves the mammoth task of preserving this national treasure by travelling the country and writing down the songs, poems, and prose which were the result of centuries of literary effort on the part of the native Irish. By the end of the period the population had fallen from almost 9.000.000 at its height to less than 4.000.000: with no monoglot Irish speakers left. However due to the efforts of this small group of individuals we retain most of our literary wealth. This work tells the story of one of them, Peadar Ó Gealacáin.

Gail Jones’s Intertextual Mirrors: In the footsteps of Virginia Woolf

I aim to prove that the word, understood as “double-voiced”, as belonging to the world of the speaker and to the world of the interlocutor, and the life that is not life but is all we know, are the axis of storytelling and post modernist narrative. Derrida’s notion of “dissemination” and our individual strife to solve it are present in every work of literature. In this article I intend to show that, with a difference of approximately three generations, Australian Gail Jones follows in the steps of Virginia Woolf’s images of mirrors and looking glasses as cornerstones of reflection and reflexion about culture, history and individual development. Life and living have to be turned into stories in order to become “real”, visible, a vision that will open possibilities for change and advancement. To make this possible, writers need a reflective subject - a subject able to carry out this complex operation in contemporary literature has to possess the characteristics of a nómade subject, a term coined by Rosi Braidotti – that is, subjects ready to follow the traces left by apparent realities, ready to confront their own past and to subvert not only the certainties held as the Truth but also the norms that were given as a “must” in their contemporary culture in order to sustain those fictional truths, as explained by Michael Riffaterre.