scholarly journals Presentando el dolor de los demás. Trabajando la empatía a través del Arte de Acción TITLE: Presenting the pain of others. Working empathy trought action art

Author(s):  
María Jesús Cano Martínez

Con frecuencia nos encontramos en el Arte Contemporáneo, y concretamente en el Arte de acción, obras que versan sobre el dolor y el sufrimiento, de las cuales, una gran proporción, presentando el dolor ajeno. Es por ello que nos cuestionamos hasta que punto podemos poner en la tarima el dolor de los demás sin meternos en su piel. La empatía habría de ser contemplada en la realización de ciertas obras artísticas. Y a su vez, a través del Arte, y concretamente, desde el Arte de acción y en conexión con actividades de psicodrama, podemos favorecer la empatía, como elemento favorecedor de nuestras relaciones interpersonales y de nuestra interpretación de la realidad.ABSTRACTWe often find ourselves in Contemporary Art, and, specifically in Action Art, works that deal with pain and suffering, of which a large proportion present the pain of others. That is why we question to what extent we can put on the platform the pain of others without getting into their skin. Empathy should be considered in the realization of certain artistic works. And in turn, through Art, and concretely, from Action Art and in connection with psychodrama activities, we can promote empathy as a favoring element of our interpersonal relationships and our interpretation of reality.

2018 ◽  
Vol 18 (4) ◽  
pp. 54-70
Author(s):  
Jim Drobnick

Alcohol has gained a notable prominence in contemporary art, particularly in artists’ bars and other convivial situations at biennials and art fairs. What happens, though, when an artwork features alcohol that cannot or is not meant to be drunk? If the point of drink in contemporary art involves engaging spectators in sensorial, embodied encounters, what remains of the specialness of alcohol when it stays in the bottle? This article examines artists’ multiples and distillation projects where drinking is teasingly possible but downplayed. In these works, partaking is less important than the inebriating affect, in which drunkenness is experienced at a remove, and so infuses the imagination to instigate thought beyond the act of drinking. Even when contained, the intoxicating potential of alcohol has the ability to disrupt norms and aesthetic conventions, as well as to make compelling comments on art and society.


Author(s):  
Rolando Vazquez ◽  
Miriam Barrera Contreras

RESUMEN Hay que pensar la decolonialidad en relación a las artes. En esta entrevista exploramos cómo las artes decoloniales se diferencian de la estética moderna/colonial. La decolonización de la estética conlleva la liberación de a la aiesthesis, es decir de las formas de relacionarnos con el mundo y de hacer mundo a través de los sentidos. La aiesthesis decolonial se distingue de los principios del arte contemporáneo y en particular de su sujeción a la temporalidad moderna, abriéndonos hacia las temporalidades relacionales. Los artistas decoloniales ejercen una temporalidad distinta que conlleva no sólo una crítica radical al orden de la representación y de la visualidad modernas sino que también nos dan la posibilidad de entender a la decolonialidad cómo un movimiento cargado de esperanza, cargado de la posibilidad de nombrar y vivenciar los mundos interculturales que han sido negados. PALABRAS CLAVE Decolonialidad, tiempo relacional, esperanza, cuerpo, interculturalidad KAI SUTI AESTHESIS ÑAGPAMANDA KAUSAKUNA TUKUIKUNAWA TAPUCHI SUG RUNATA ROLANDO VÁSQUEZ SUTITA SUGLLAPI Kaipi kawachinakumi iska ruraikuna ñugpamanda chasallata kunaurramanda. Kai suti aiesthesis, kawachiku imasami pai kawa kawachimanda ukusinama paipa iuaikunawa. Aiesthesis kame tukuikunamanda sugrigcha.Lsx artistxs kawachinakumi ñugpamanda kausikuna munankuna kawachingapa charrami kausanakunchi parlanakumi ñugpata imasami mana lisinsiaskakuna allí ruraikuna tukuikunamanda. IMA SUTI RIMAI SIMI: Ñugpamanda, parlaikuna sullai, nukanchi kikin, tukuikuna. DECOLONIAL AESTHESIS AND THE RELATIONAL TIMES. INTERVIEW WITH ROLANDO VÁSQUEZ ABSTRACT We have to hink the decoloniality in relation with the arts. This interview explores the difference between the modern/colonial aesthetic and the decolonial arts. The aesthetic decolonization leads to the release of the aesthesis, ergo it relates in every way to the connection and creation of a world through the senses. The decolonial aesthesis is particularly different from the contemporary art principles in the way it grasps the modern temporality consenting the creation of a path toward relational temporalities. The decolonial artists exercise a different temporality that results in not only a radical criticism to the modern representation and visuality but it makes possible to understand the decolonialization as a hopeful movement, full of possibilities for naming and experiencing neglected intercultural worlds. KEYWORDS Decolonialization, relational time, hope, body, interculturality ESTEHÉSIE DÉCOLONIALE ET LE TEMPS RELATIONNELS. ENTRETIEN À ROLANDO VASQUEZ RÉSUMÉ Il faut penser la décolonisation en relation aux arts. Dans cet entretien on explore comment les arts décoloniaux sont différents de l’esthétique moderne-coloniale. La décolonisation de l’esthétique entraîne la libération de l’estehésie, c’est-à-dire, la libération des façons de nous mettre en relation avec le monde et d’en créer un nouveau à travers les sens. L’estehésie décoloniale se différence des principes de l’art contemporain, principalement pour son fixation à la modernité en nous emmenant vers les temporalités relationnelles. Les artistes décoloniaux exercent avec une temporalité qui n’implique pas juste une critique radicale à l’ordre de la représentation et de la vision moderne, mais aussi de la possibilité de comprendre la décolonisation comme un mouvement plein d’espoir, chargé d’une possibilité de nommer et de mettre en relief les interculturalités qu’ont été niées. MOTS-CLEFS Décolonisation, temps relationnels, espoir, corps, interculturalité ESTESIA DESCOLONIAL E O TEMPO RELACIONAL ENTREVISTA A ROLANDO VAZQUEZ RESUMO Temos que pensar a descolonização em relação as artes. Nesta entrevista é explorado como as artes descoloniais são diferentes da estética moderna-colonial. A descolonização da estética conduz a emancipação da estesia, isto é, das formas de relacionamento com o mundo e da fôrma de fazer mundo a partir dos sentidos. A estesia descolonial distinguese dos princípios da arte contemporânea particularmente pela fixação o tempo moderno, abrindo-nos para a temporalidades relacionales. Os artistas descoloniais exercem uma temporalidade diferente que implica não só uma crítica radical à ordem da representação e à visão moderna, mas também à possibilidade de entender a descolonização como um movimento cheio de esperança, carregado da possibilidade de designar e viver os mundos interculturais que foram negados. PALAVRAS CHAVES Descolonização, esperança, tempo relacional, fôrma, intercultural.   Recibido el 20 de enero de 2015 Aceptado el 26 de febrero de 2015


Xihmai ◽  
2013 ◽  
Vol 6 (12) ◽  
Author(s):  
Manuel Alberto Morales Damián

Resumen El presente trabajo es una sucinta biografí­a artí­stica de Arturo Moyers Villena, muralista mochiteco radicado en Hidalgo desde la década de los 80. Se destaca su obra pictórica a partir del análisis de las temáticas que aborda en sus obras manifestándose una evolución que permite proponer tres etapas en su trayectoria. El trabajo se fundamenta en las entrevistas con la familia Moyers López, la revisión del archivo familiar y el análisis de sus obras murales y de caballete. Noviembre de 2011   Palabras clave: Arturo Moyers Villena, arte contemporáneo mexicano, pintura mural, pintura revolucionaria, pintura religiosa.   Abstract This paper is a brief artistic biography of Arturo Moyers Villena. He is a mural painter who was born in Los Mochis, Sinaloa and he live in the State of Hidalgo from the eighties. On the analysis of his work we propose three periods in his pictorial development. Was made interviews with the Moyers López family, was review the familiar archive and was analysed his murals and other paintings.   Key words: Arturo Moyer Villena, Mexican Contemporary Art, Mural Painting, Revolutionary Painting, Religious Painting.


2019 ◽  
pp. 142-151
Author(s):  
Tommaso Cigarini

La Fondazione Prada de Milán, Italia, es un paradigma y un ejemplo del mecenazgo moderno. En este documento se analiza de qué forma un museo de arte contemporáneo puede generar cambios positivos en el barrio donde se localiza, más aún si ese vecindario se ubica en una zona periférica de la ciudad que ha pasado por un proceso de degradación urbana. Veremos el caso de un museo como elemento rehabilitador de infraestructura y un espacio de estímulo para la creación y producción de cultura. El museo le da una nueva vida a una edificación abandonada que anteriormente estaba destinada a la producción industrial. Los amplios espacios de manufactura, hoy en día abandonados, son ideales para instalar obras de arte contemporáneo.  Palabras clave: Fondazione Prada, Miuccia Prada, Rem Koolhaas, museografía moderna, cultura contemporánea, arte contemporáneo   AbstractThe Fondazione Prada in Milan, Italy, is a paradigm and an example of modern patronage. This document analyzes how a museum of contemporary art can generate positive changes in the neighborhood where it is located, especially if that neighborhood is located in a peripheral area of thecity that has gone through a process of urban degradation. We will consider the case of a museum as an infrastructure rehabilitation element and a stimulus space for the creation and production of culture. The museum gives a new life to an abandoned building that was previously destined forindustrial production. The large manufacturing spaces, now abandoned, are ideal for installing works of contemporary art. Keywords: Fondazione Prada, Miuccia Prada, Rem Koolhaas, modern museography, contemporaryculture, contemporary art


In this chapter the changing role of art and interpretations of art in contemporary societies are discussed. Visual art works are always open to a great diversity of possible interpretations, impressions and opinions. There are also vastly differing opinions and ideas about what art is or should be. What characterizes contemporary art is the idea that it is one of the areas freedom that allow and encourage rule-breaking and visions. In short, it is the refuge of imagination in a society that otherwise is built on modern science, logic and reflexivity. For some that freedom and imagination is too much: modern art may include elements of carnival madness, sophomoric humour, cheap publicity-seeking or hoax – in addition to great art providing deep experiences and/or thoughts to people who cherish the opportunity to feed their souls with art. Viewing art can be a deeply intimate individual process or a social statement, sometimes both of these. However, this book also offers consolation to all art lovers: art itself is globally in no danger of disappearing as a result of any political or commercial pressure.


2020 ◽  
Vol 23 ◽  
pp. 230-246
Author(s):  
Ricardo González-García

Como una reunión simbólica de conciencia, toda gran obra de arte es un apocalipsis silencioso que, con sus significativas impresiones o interacciones, puede llegar a transformar la estructura social. Transfigurando el mundo mediante sus espacios de representación, es capaz de adquirir una capacidad profética que denuncia situaciones a fin de, como en el caso específico aquí ofrecido, reestablecer el equilibrio de los ecosistemas degradados por la huella que el ser humano ha impreso sobre ellos. Esta misma impronta antropocénica, auspiciada por la idea de progreso que confiere la utopía del crecimiento ilimitado propuesta por el sistema capitalista, paradójicamente podría llevar al ser humano a asistir al fin de su propia especie. Por esta razón, parte del arte contemporáneo lleva tiempo sumamente preocupado en concienciar a la sociedad y, así, frenar la llegada de un catastrófico escenario futuro. Debido a la urgencia de esta acuciante situación, se abordan diversas denuncias establecidas en las prácticas artísticas para cambiar la actitud de sus espectadores. Para ello, se proponen aquí dos vertientes: la de obras que muestran escenarios distópicos y la de otras más activistas que tratan de atajar la situación desde entornos concretos. As a symbolic gathering of conscience, every great artwork is a silent apocalypse that, with its significant impressions or interactions, can transform the social structure. Transfiguring the world through its spaces of representation, it is capable of acquiring a prophetic capacity that denounces situations in order to, as in the specific case offered here; restore the balance of ecosystems degraded by the footprint that human beings have printed on them. This same anthropocenic imprint, sponsored by the idea of progress that confers the utopia of unlimited growth proposed by the capitalist system, paradoxically could lead the human being to attend the end of his own species. For this reason, part of contemporary art has been extremely concerned about raising awareness in society and, thus, curbing the arrival of a catastrophic future scenario. Due to the urgency of this pressing situation, we complaints various complaints established in artistic practices to change the attitude of its spectators. To do this, we proposed two aspects here: that of works that show dystopian scenarios and that of other more activists which try to tackle the situation from specific environments.


REVISTARQUIS ◽  
2016 ◽  
Vol 5 (1) ◽  
Author(s):  
Daniele Pisani

Resumen En oposición a la tendencia de considerar el dibujo arquitectónico como una simple fuente de información sobre el proyecto, o limitarse a contemplar su eventual belleza, este ensayo pretende analizar un boceto en su especificidad. Para hacer este tipo de experimento, el texto utiliza uno de los muchos bocetos realizados por Paulo Mendes da Rocha durante la preparación del proyecto para el Museo de Arte Contemporáneo de la Universidad de Sao Paulo (1974-1975). El objetivo no es aislar artificialmente un dibujo entre los muchos otros que le dan una autonomía que no le es propia, sino adoptar un nuevo punto de vista, a través del análisis de un diseño dentro del universo de diseño específico del arquitecto brasileño.Abstract Against the tendency to consider the drawing in architecture as a simple source of information about the project, or simply to contemplate its potential beauty, this essay aims to analyse one it in its specificity. To carry out this experiment, the text uses one of the many sketches made by Paulo Mendes da Rocha during the preparation of the project for the Museum of Contemporary Art from University of São Paulo (1974-1975). The aim is not to artificially isolate one drawing among the many, giving it an autonomy that it does not possess, but to adopt a new point of view on the universe of the Brazilian architect.


ZARCH ◽  
2016 ◽  
pp. 70
Author(s):  
Marta García Alonso

En 1953 Ramón Vázquez Molezún recibió el Premio Nacional de Arquitectura con su proyecto Museo de Arte Contemporáneo. Fue su segundo galardón en poco más de dos años, después de haber recibido en 1951 el premio de la I Bienal Hispanoamericana con el proyecto Teatro al Aire Libre Homenaje a Gaudí. Paradójicamente, gracias a estos dos ejercicios de carácter académico realizados durante su estancia como pensionado en la Academia Española de Bellas Artes de Roma, Molezún se convirtió, sin haber construido una sola obra, en una referencia tanto para los arquitectos españoles como para los estudiantes de las escuelas de arquitectura de nuestro país. El propio Museo de Arte Contemporáneo fue en aquella época un proyecto clave en el devenir de su obra y uno de los más influyentes entre sus colegas. Este artículo estudia, en un primer lugar, el contexto de esa propuesta de museo, de esa idea que fue dibujada por Ramón Vázquez Molezún sin intención de ser construida, tratando de desvelar las claves proyectuales de su esencia: a este respecto las alusiones a Gaudí y Wright, pero también a sus viajes por Europa son citas obligadas. Después trata de analizar en qué medida este proyecto, un museo convertido en musa, pudo servir de inspiración para la generación de otros muchos proyectos sí construidos, propios y ajenos.In 1953, Ramón Vázquez Molezún received the National Architecture Prize for his Contemporary Art Museum project. It was his second award in little more than two years, after receiving the First Hispanic-American Biennial Prize for his Open-air theatre; tribute to Gaudi. Paradoxically, thanks to these academic works made during his stay as a pensioner at the Spanish Academy of Fine Arts in Rome, Molezún became, without having built any construction yet, a model for both architects and architecture students of our country. The Contemporary Art Museum was, at the time, a key project in the progression of Molezun’s career, and one of the most influential works among his colleagues. First of all, this article studies the context of this museum, of the concept drawn by Ramón Vázquez Molezún without any intention of building it, trying to uncover the keys of its essence. Gaudi and Wright allusions, as well as his travels around Europe, are mandatory stops. Secondly, the article tries to analyze in what measure this project, a museum made muse, could have been an inspiration for a great number of built projects, both Molezún’s and others.


2020 ◽  
pp. 32-47
Author(s):  
Alejandra Echazú Conitzer ◽  
Rodrigo Gutiérrez Viñuales

A partir de un amplio conjunto de cartas, hasta ahora inéditas, escritas por el artista peruano AlejandroGonzález Trujillo, y enviadas a la joven escritora boliviana Yolanda Bedregal entre 1934 y 1936, hemosextractado diversas reflexiones que nos dan la posibilidad de componer una suerte de manifiesto artístico del pintor. Las cartas permiten recrear ese periodo cusqueño de González Trujillo, su vida, sus afanes y sus trabajos en viajes artísticos y patrimoniales por el sur del Perú, a la par que evocar su disciplina y formación en la vida y en el arte, así como su profunda vocación de educador. Sus pensamientos dejan entrever un compromiso inquebrantable con la cultura peruana prehispánica, con su propio arte y su posición dentro de las tensiones del campo artístico peruano de esos años. Se pone también en evidencia el fervor con el que los artistas peruanos abordaron la inconmensurable labor de catalogar el legado de sus ancestros. Palabras clave: Alejandro González Trujillo, Apu-Rimak, Yolanda Bedregal, Cusco, La Paz, arte contemporáneo, enseñanza artística, indoamericanismo, Siglo XX AbstractFrom a wide range of letters, hitherto unpublished, by the Peruvian artist Alejandro González Trujillo, andsent to the young Bolivian writer Yolanda Bedregal 1934 and 1936, we have extracted various reflections that give us the possibility of composing a kind of artistic manifesto by the painter. The letters allow us to recreate that Cusco period of González Trujillo, his life, his efforts, and his works in artistic and patrimonial journeys through the south of Peru while evoking his discipline training in life and art, as well as his profound vocation as an educator. His thoughts reveal an unwavering commitment to pre-Hispanic Peruvian culture, his art, and his position within the tensions of the Peruvian artistic field of those years. It also shows the fervor with which Peruvian artists approached the immeasurable task of cataloging their ancestors’ legacy. Keywords: Alejandro González Trujillo, Apu-Rimak, Yolanda Bedregal, Cusco, La Paz, contemporary art, art education, Indo-Americanism, 20th century


Author(s):  
José Luis De la Nuez Santana

En este artículo se realiza un análisis de la correspondencia mantenida entre el sacerdote y crítico valenciano Alfons Roig y el pintor Manolo Millares a lo largo del periodo 1956-1957. Los contenidos de esta correspondencia revelan aspectos de interés sobre la actividad artística del pintor canario y la labor realizada por Roig en la difusión del arte contemporáneo. En una segunda parte del artículo se estudian los contenidos de un texto elaborado por Millares sobre su obra que fue enviado a Roig y que hoy en día se conserva en la fundación que lleva su nombre en Valencia. El interés de este texto radica en que supone la primera reflexión de importancia de Millares sobre su obra en un momento clave de su vida artística, en clara evolución hacia el informalismo.AbstractThis article analyses the correspondence between the Valencian priest and art critic Alfons Roig and the painter Manolo Millares throughout the period 1956-1957. The contents of this correspondence reveal aspects of interest in the artistic activity of the Canarian painter and the work of Roig’s dissemination of contemporary art. A second part of the article examines the contents of a text prepared by Millares on his work sent to Roig and today preserved in the foundation that bears his name in Valencia. The interest of this text is that it represents Millares’ first important reflection on his work at a key moment in his artistic life, clearly evolving towards informalism.


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