The role of museums in the modern artistic process of Buryatia

Автор рассматривает роль государственных музеев и центров современного искусства в развитии изобразительного искусства Бурятии. В частности, показано, как решаются проблемы, порожденные географической удаленностью республики от культурных столиц России и сложившимся в русле академизма стереотипом «национального своеобразия». В настоящее время в Республике Бурятия достаточно заметны признаки активного развития современного искусства, поддерживаются молодые таланты. При этом автор отмечает, что ведущую роль в сохранении, продвижении произведений изобразительного искусства и художников играют именно государственные музеи. Именно там работы художников становятся музейными предметами — культурными ценностями, имеющими значение для истории и культуры государства и обладающими особыми признаками, которые делают необходимыми для общества их сохранение, изучение и публичное представление. The author examines the role of state museums and centers of contemporary art in the development of the fine arts of Buryatia. In this development process, it is important to solve the problems generated by the geographic remoteness of the republic from the cultural capitals of Russia and the stereotype of “national identity” that has developed in line with academism. At present, signs of active development of contemporary art are quite noticeable in the republic, young talents are supported. At the same time, the author notes that it is the state museums that play the leading role in the preservation and promotion of works of fine art and artists. It is in museums that the works of artists become museum objects — cultural values ​​that are significant for the history and culture of the state and possess special characteristics that make it necessary for society to preserve, study and publicize them.

Conceptualization and digitalization of the heritage of soviet architects: A.V. Makhrovskaya, V.I. Kochedamov and A.I. Naumov within the Preserved Culture project

Проект «Сохраненная культура» уже более десяти лет занимается изучением и продвижением в сети Интернет достижений отечественной науки и культуры ХХ века. Статья описывает и систематизирует уникальный опыт проекта по исследованию и актуализации творческого наследия выдающихся советских архитекторов: подготовку и публикацию воспоминаний об ученом-градостроителе, члене-корреспонденте РААСН А.В. Махровской, оцифровку личного архива историка градостроительства, декана архитектурного факультета Академии художеств В.И. Кочедамова и выпуск 4-томного издания его трудов с комментариями современных ученых, а также создание документального фильма «Архитектура блокады», посвященного памяти А.И. Наумова, доктора архитектуры, члена-корреспондента Академии строительства и архитектуры СССР, автора трех генеральных планов развития Ленинграда, организатора маскировки города в годы Великой Отечественной войны. Особое внимание в статье уделено проблеме цифрового разрыва и прикладным подходам и методам его преодоления, позволяющим сохранять и популяризировать памятники «бумажной» культуры прошлого века в условиях информационного общества через создание активного исследовательского сообщества. The Preserved Culture project has been researching and promoting the achievements of Russian science and culture of the 20th century on the Internet for more than ten years. This article describes and systematizes a unique experience on the study and update of the creative heritage of the distinguished Soviet architects. This includes the preparation and publication of the memories about scientist-urban planner, corresponding member of the Russian Academy of Architecture and Building Sciences A.V. Makhrovskaya; the digitization of the personal archive of the urban development historian, dean of the faculty of architecture of the Academy of Arts V.I. Kochedamov, as well as the release of the four-volume edition of his works with commentaries of modern scientists. The article also presents the documentary film “Architecture of the Blockade” which is dedicated to the memory of A.I. Naumov, the Doctor of Architecture, corresponding member of the Academy of Construction and Architecture of the USSR, author of three Leningrad master plans, organizer of the city masking during the Great Patriotic War. Particular attention in the article is paid to the problem of the digital divide and applied approaches and methods of overcoming it, which make it possible to preserve and popularize non-digital cultural monuments of the last century in the context of the information society through the creation of an active research community.

Image of Kumgang Mountains (Geumgangsan) in Korean fine arts: tradition and modernity

В статье исследуются особенности корейской пейзажной живописи, развитие которой с начала XVIII века оказывается неразрывно связано со знаменитой горной цепью Корейского полуострова Кымгансан. Утвердившись как центральный образ в пейзажах «подлинного вида», горы Кымган со временем приобретают значение не только художественного феномена, но и знакового национального символа родной земли в корейском культурном сознании, оставаясь для художников воплощением естественных красот и сплетением разнообразной символики. Цель статьи — определить значимость образа гор Кымган в корейском изобразительном искусстве как выразителя национальной самобытности искусства Кореи и хранителя художественно-ценностных традиций. В статье изложен анализ произведений корейских художников с XVIII столетия и до наших дней. Исследуются произведения ряда современных северокорейских и южнокорейских художников, чьи работы, разные по стилю и технике исполнения, объединяет единство мировосприятия гор Кымган как духовного источника, репрезентируя стремление к этнической аутентичности, возрождение традиций и выражение патриотизма в современном искусстве Республики Корея и КНДР. Предлагается обзор тенденций в корейском изобразительном искусстве, где в данном образе проявился национальный подход, натурное видение природы родной страны и творческое переосмысление открытий великих корейских пейзажистов в контексте адаптации новых художественно-выразительных особенностей в рамках традиционной системы дальневосточной живописи тушью и творческих экспериментов с разнообразными техниками. В заключение делается вывод о важности художественного образа гор Кымган, который, утвердившись в корейском пейзаже в XVIII веке, стал прочной основой для развития корейской живописи современного периода, демонстрируя не только приверженность традициям, но и способность к новациям как в приобретении новых символических оттенков в его прочтении, так и в расширении творческих поисков для выражения его эстетического идеала в картине мира современности. The article examines the features of Korean landscape painting, the development of which since the beginning of the 18th century is inextricably linked with the famous mountain range of the Korean Peninsula Kumgangsan (Diamond Mountains). Having established itself as the central image in landscapes of “true appearance”, the Kumgang Mountains over time acquire the significance of not only an artistic phenomenon, but also an iconic national symbol of the native land in the Korean cultural consciousness, remaining for artists the embodiment of natural beauties and the interweaving of various symbols. The purpose of the article is to determine the significance of the image of the Kumgang Mountains in Korean fine art of past and present eras, as an exponent of the national identity of Korean art and a keeper of artistic value traditions. The main objective of the article is to study the image of the Kumgang Mountains based on the analysis of the works of Korean artists from the 18th century to the present day, with the definition of its role and place in the contemporary fine arts of Korea. The article analyzes the works of a number of modern North Korean and South Korean artists, different in style and technique of execution, but similar in perception of the Kumgang mountains as a spiritual source, representing the desire for ethnic authenticity, the revival of traditions and the expression of patriotism in contemporary art of the Republic of Korea and the DPRK. The article provides an overview of trends in Korean painting, where this image manifests a national approach, a natural vision of the native country and a creative rethinking of the discoveries of the great Korean landscape painters in the context of adapting new artistic and expressive features within the traditional system of Far Eastern ink painting and creative experiments with various techniques. It is concluded that the artistic image of the Kumgang mountains is important as it has established itself in the Korean landscape in the 18th century, and become a solid foundation for the development of Korean painting in the modern period, demonstrating not only adherence to traditions, but also the ability to innovate, both in acquiring new symbolic shades, and expanding artistic and expressive means to display its aesthetic ideal in the picture of the world of our time.

The View of Yakutsk Town in art from the collection of the National Art Museum of The Republic of Sakha (Yakutia)

Визуальные образы, сохраненные в виде рисунков, гравюр, фотодокументальных материалов, являются важной частью реконструкции исторического прошлого народа. Раннее конструирование образа г. Якутска нашло отражение в рисунках и гравюрах российских и зарубежных исследователей и художников XVII–XVIII веков. Так, Вторая Камчатская экспедиция, работавшая в 1733–1743 годах по государственному заказу, одним из направлений своей работы избрала визуальную фиксацию и точную информацию по географии, этнографии коренного населения региона, проспектов городов. Цель представленного в статье исследования — выявление и комплексный анализ ранних изображений города Якутска в графических произведениях XVII–XVIII веков. На основе гравюры художника Гравировальной палаты Академии наук А.Г. Рудакова с рисунка И.В. Люрсениуса, рисовальщика академического отряда Второй Камчатской экспедиции, и графической работы французского пейзажиста Л.Н. Леспинасса из собрания Национального художественного музея Республики Саха (Якутия) показано значение видовых проспектов г. Якутска как ранних художественных репрезентаций города Якутска. Сделан вывод о том, что эти материалы способствовали накоплению сведений о Якутске, одном из старинных городов Сибири. Visual images that were preserved in the forms of drawings, engravings, and photographic documentations are an important part of the reconstruction of the historical past of the people. The early reconstruction of the image of Yakutsk was reflected in drawings and engravings by Russian and foreign researchers and artists of the 17th and 18th centuries. Thus, the Second Kamchatka expedition, which worked under the state order in 1733 to 1743, was aimed at visual fixation and accurate information on geography, ethnography of the indigenous population of the region, city avenues. The purpose of the study is to identify and comprehensively analyze the early images of Yakutsk in the graphic pictures of the 17th – 18th centuries. Based on the works of the draftsman of the academic detachment of the Second Kamchatka Expedition I.V. Lursenius, the artist of the Engraving Chamber of the Academy of Sciences A.G. Rudakov, the French landscape painter L.N. Lespinass from the collection of the National Art Museum of The Republic of Sakha (Yakutia), the significance of the view avenues of Yakutsk as early artistic representations of Yakutsk is shown. It is concluded that these materials contributed to the accumulation of information about Yakutsk, one of the ancient towns of Siberia.

On the problem of the meaning and scope of the term school in contemporary art history (by the case of the Far Eastern region)

Редкое исследование, посвященное современному художественному процессу, его участникам, обходится без употребления термина «школа». При этом его содержание трактуется очень широко: от сложившейся и действующей на протяжении большого отрезка времени системы полного цикла профессионального художественного образования до принадлежности художников одной территории или следования за лидером в выборе стилевых предпочтений. В статье дается краткий очерк истории появления и бытования термина «школа», предлагается уточнение его содержания в современных условиях и на этой основе предпринимается попытка оценить ситуацию с формированием региональных школ в России на примере Дальнего Востока. A rare study devoted to the contemporary art process, its participants, dispenses with the use of the term "school". At the same time, its content is interpreted very broadly: from the system of a full cycle of professional art education that has been established and has been operating for a long period of time to artists belonging to the same territory or following the leader in choosing style preferences. The article gives a brief outline of the history of the emergence and existence of the term "school", suggests clarifying its content in modern conditions and on this basis attempts to assess the situation with the formation of regional schools in Russia, using the example of the Far East.

On the works of Nicholas K. Roerich in the Primorye State Art Gallery

В статье, основанной на материалах многолетних исследований автора, рассматриваются два произведения Николая Константиновича Рериха из собрания Приморской государственной картинной галереи. Внимание заостряется на причастности пейзажа «Туман» (1907) к серии «Финляндских этюдов» художника, а этюда «Дорожка» (1908) — к известной петербургской коллекции, в 1910-е годы принадлежавшей А.В. и Е.Л. Румановым. В настоящее время коллекция Румановых рассеяна по двадцати пяти государственным музеям бывшего Советского Союза. Больше всего произведений входит в собрание Русского музея. В Приморской картинной галерее хранится всего одна работа — этюд Рериха «Дорожка», и по ней довольно сложно судить о масштабе коллекции Румановых и месте данного этюда в числе других работ художника, входивших в ее состав. Уточнение истории создания и бытования обоих пейзажей Н.К. Рериха из собрания Приморской картинной галереи имеет важное значение для их изучения и научной каталогизации, а также для просветительской деятельности галереи. The article, based on the materials of the author's long-term research, examines two works by Nicholas Konstantinovich Roerich from the collection of the Primorye State Art Gallery. Attention is focused on the involvement of the landscape “Fog” (1907) in the series of “Finnish sketches” by the artist, and the sketch “Path” (1908) — in the famous St. Petersburg collection, in the 1910s owned by A.V. and E.L. Rumanov. Currently, the Rumanov collection is scattered across twenty-five state museums of the former Soviet Union. Most of the works are included in the collection of the Russian Museum. The Primorye Art Gallery has only one work — Roerich's sketch “The Path”, and it is quite difficult to judge the scale of the Rumanov collection and the place of this sketch among other works of the artist that were part of it. Clarification of the history of the creation and existence of both landscapes by N.K. Roerich from the collection of the Primorye Art Gallery is important for their study and scientific cataloging, as well as for the educational activities of the gallery.

Restoration of the silhouette “Emperor Nicholas I and the Cadet Bubnov”

В статье представлено описание реставрации силуэта «Император Николай I и кадет Бубнов», переданного наряду с другими силуэтами в лабораторию научной реставрации графики из отдела истории русской культуры Государственного Эрмитажа. Композиция предмета состоит из бумажного силуэта в рамке золотого цвета, наклеенного на черный глянцевый фон, бумажную и картонную подложки. Данный силуэт передан в реставрацию из-за повреждений, имеющих тенденцию к развитию и неблагоприятных как для состояния сохранности бумаги-основы, так и для красочных слоев. Исследования бумаги позволили выявить визуально незаметный слой свинцовых белил на поверхности силуэта. В процессе реставрации была открыта исторически значимая надпись «Подарок Мейбаумъ 4. 28 августа 1835». Мы можем предположить, что надпись указывает на автора силуэта, воспитанника Первого кадетского корпуса Мейбаума, либо на его родственника, подарившего силуэт. С каждым элементом предмета проведены реставрационные мероприятия. Основная часть работ выполнена над бумажным силуэтом, имеющим не только пятна, но и разрывы вследствие деформации бумажной основы и картона. Особенностями оформления композиции после реставрации является инкапсулирование силуэта в полиэфирную пленку, предотвращающую взаимодействие свинцовых белил с воздухом, и крепление всех элементов конструкции по верхнему краю. После реставрации сохранен авторский замысел: инкапсулированный силуэт на черном глянцевом фоне, окаймленный рамкой золотого цвета, крепится к бумажной подложке. The article presents a description of the restoration of the silhouette “Emperor Nicholas I and the Cadet Bubnov” which was transferred along with other silhouettes to the Laboratory for Scientific Restoration of Graphics from the Department of the History of Russian Culture of the State Hermitage Museum. The composition of the subject consists of a paper silhouette in a gold frame, pasted on a glossy black background, paper and cardboard backings. This silhouette was handed over for restoration due to damages that tended to develop and were unfavorable both for the state of preservation of the base paper and for the paint layers. The paper studies made it possible to reveal a visually imperceptible layer of lead white on the silhouette surface. During the restoration process, the historically significant inscription “Gift of Meibaum 4. August 28, 1835” was discovered. We can assume that the inscription points to the author of the silhouette, a student Meibaum studied in the First Cadet Corps, or to his relative who donated the silhouette. Restoration procedures have been carried out with each element of the object. The main part of the work has been done on a paper silhouette, which had not only spots, but also tears due to the deformation of the paper support and cardboard. The features of the composition design after restoration are the encapsulation of the silhouette in a polyester film, which prevents the interaction of lead white with air, and the fastening all structural elements along the upper edge. After the restoration the author's idea has been kept: the encapsulated silhouette on a black glossy background, bordered by the golden frame, is attached to a paper backing.

Traditions of Far Eastern jewelry in the costume of the peoples of Amur in the 19th – beginning of 20th centuries

Ювелирные украшения народов Амура — это важный элемент традиционной культуры, сформировавшийся под влиянием эстетических идеалов и являющийся отражением общности тунгусо-маньчжурского мира. Несмотря на обширность территорий и появление в XIX веке новых политических границ, семантика ювелирных украшений традиционного костюма была понятна и аборигенному населению Уссурийского края, и урбанизированному слою маньчжуров, освоивших города цинского Китая. Исследование базируется на предметах из фондовых коллекций Музея истории Дальнего Востока имени В.К. Арсеньева, часть которых ранее не представлялась широкому зрителю. Сегодня именно музейные собрания, сформированные в XIX – первой половине XX века, стали базой для изучения технологии и семантики ювелирных украшений народов Дальнего Востока. При производстве ювелирных изделий, бытовавших среди коренных малочисленных народов Дальнего Востока, использовались самые разнообразные технологии, и от их сложности зависело место производства. Это были или профессиональные ювелирные мануфактуры маньчжурского Китая, или нанайские и удэгейские мастера, работавшие в стойбищах. И в данном контексте можно говорить о широких торговых связях, существовавших благодаря обороту ювелирных изделий. Долговечность материалов, использовавшихся при создании произведений ювелирного искусства, стала важным фактором преемственности культурных парадигм при смене поколений. Комплекс украшений, сложившийся на Дальнем Востоке в Средние века, просуществовал несколько столетий, пережил череду государственных образований и сохранился до XX века, пока цивилизационный слом не вытеснил традиционный уклад жизни охотников и рыболовов вместе с костюмом из повседневного использования. Jewelry of the Amur peoples is an important element of traditional culture, formed under the influence of aesthetic ideals and reflecting the commonality of the Tungus-Manchurian world. Despite the vastness of the territories and the appearance of new political borders in the 19th century, the semantics of jewelry of traditional costume was understandable both to the aboriginal population of the Ussuri Region and to the urbanized stratum of the Manchus who mastered the cities of Qing China. The research is based on items from the stock collections of the Arsenyev Museum of the History of the Far East, some of which were not previously presented to the wide public. Today, it is the museum collections formed in the 19th – first half of the 20th centuries that have become the basis for studying the technology and semantics of jewelry of the peoples of the Far East. In the production of jewelry that existed among the indigenous peoples of the Far East, a wide variety of technologies were used, and the place of production depended on their complexity. Either they were professional jewelry manufactories of Manchurian China, or Nanai and Udege craftsmen who worked in the camps. And in this context, we can talk about broad trade relations that existed due to the turnover of jewelry. The durability of the materials used in the creation of works of jewelry art has become an important factor in the continuity of cultural paradigms with the change of generations. The jewelry complex that developed in the Far East in the Middle Ages lasted for several centuries, survived a series of state formations and survived until the 20th century, until the civilizational scrapping replaced the traditional way of life of hunters and fishermen, along with the costume, from everyday use.

Vitaly Ilyich Kandyba is the first art critic of Primorye: materials for biography

Виталий Ильич Кандыба (1943–2016) — первый и на протяжении десятилетий единственный искусствовед в Приморском крае, преподаватель истории искусств в Дальневосточном институте искусств, арт-критик, разносторонне и глубоко погруженный в художественный процесс современного ему регионального искусства. Он не только представлял художников Дальнего Востока на всероссийском и всесоюзном уровне в советскую эпоху, но и в какой-то мере указывал направление развития дальневосточного искусства. Виталий Кандыба — автор книг об истории возникновения и путях развития изобразительного искусства Приморья, Хабаровского края, Амурской области с 1860-х до 1930-х годов, об образовании и деятельности Приморской организации Союза художников России, до сих пор являющихся обязательным источником для искусствоведов, посвятивших себя изучению творчества художников региона. Тем не менее его жизнь и творчество до настоящего времени недостаточно изучены. В статье делается попытка представить очерк творческой биографии В.И. Кандыбы, дать оценку роли и значения его деятельности. Vitaly I. Kandyba (1943–2016) is the first and for decades the only art critic in Primorye, a teacher of art history at the Far Eastern Institute of Arts, versatile and deeply immersed in the artistic process of contemporary regional art. He not only represented artists of the Far East at the All-Russian and All-Union level during the Soviet period, but also to some extent indicated the direction of development of Far Eastern art. Vitaly Kandyba is the author of books about the history of the emergence and development of fine art of Primorye, Khabarovsk Krai, Amur Region from the 1860s to the 1930s, about the formation and activities of the Primorye Organization of the Union of Artists of Russia, which are still a mandatory source for art historians who have devoted themselves to studying the creativity of artists of the region. Nevertheless, his life and work have not been sufficiently studied to date. The article attempts to present an outline of the creative biography of V.I. Kandyba, to assess the role and significance of his activities.

Traditional arts and crafts of the peoples of Chukotka and its traditions in the modern subculture

В статье представлен обзор объектов декоративно-прикладного искусства коренного населения в Чукотском автономном округе. Материалом исследования послужили музейные коллекции Чаунского краеведческого музея, основу которых составляют предметы быта, этнографии и декоративно-прикладного искусства «оленных» (кочевых) и «сидячих» (оседлых) чукчей, эскимосов и других народов; а также архив Певекской школы искусств. Опираясь на опыт Чаунского краеведческого музея в области комплектования и экспонирования предметов декоративно-прикладного искусства, предлагается рассмотреть образцы традиционного чукотского искусства, а также его традиции в современной субкультуре. Под традиционным искусством понимается косторезное искусство народов Чукотки, а также вышивка из кожи и меха — такое разделение соответствует делению коренных жителей на кочевых и оседлых. Под современной субкультурой в данном случае понимается культура, созданная в многонациональном регионе в процессе ассимиляции местных жителей и так называемого «пришлого» населения — русских, украинцев и многих других. В результате происходили не только смешанные браки, но и взаимное обогащение культурных традиций — это ярко проявилось в проведении праздников, создании литературных произведений, а также в создании предметов декоративно-прикладного искусства. В собрании Чаунского краеведческого музея представлены подобные образцы декоративно-прикладного искусства как чукотских мастеров, так и мастеров других национальностей. The article presents an overview of objects of decorative and applied art of the indigenous population in the Chukotka. The research material was the museum collections of the Chaunsky Museum of Local Lore, which are based on household items, ethnography and decorative and applied art of the "reindeer" (nomadic) and "sedentary" Chukchi, Eskimos and other peoples; as well as the archive of the Pevek School of Arts. Based on the experience of the Chaunsky Museum of Local Lore in the field of acquiring and exhibiting objects of decorative and applied art, the author examines examples of traditional Chukchi art and its traditions in the modern subculture. Traditional art is understood as bone carving art of the peoples of Chukotka, as well as embroidery from leather and fur — this division corresponds to the division of indigenous people into nomadic and sedentary. In this case, the modern subculture is understood as a culture created in a multinational region in the process of assimilation of local residents and the so-called “newcomer” population — Russians, Ukrainians and many others. As a result, not only mixed marriages took place, but also the mutual enrichment of cultural traditions — this was clearly manifested in the celebration of holidays, the creation of literary works, as well as in the creation of objects of decorative and applied art. In the collection of the Chaunsky Museum of Local Lore, there are similar examples of decorative and applied art of both Chukchi masters and masters of other nationalities.